Wilson Audio 系統搭配的經驗( 2004~ )

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[B]黑膠唱片兩三事 ( 29 ) – 唱片也悄悄地在改變[/B]
先說說DG這家老廠，從Stereo時代說起，一直有著『大花』的魔力，Stereo貼紙的引路，進入紅標加紅貼紙，再來進入純紅標時代，然後進入DGG的最後一期大花，之後轉變成為小花，在進入數位時代後出現右上角的『Digital』標籤，我之前的記憶停在這個時代，因為這時已經以數位為主流，但隨著近十年黑膠發行的品項增多，不管出於甚麼原因，發行量變多是一個事實，然而我們發現，封面再一次改變，中間標示『Stereo』的小方格還在，但是沒有字了，早年這是分辨MONO和Stereo版本最直接的方法，或許，目前MONO錄音極少，DG也就不再標示了。
再說說另一件事，華納唱片也是老廠，但是近年來大量跨足古典音樂界，尤其黑膠出現的比率很高，除了自己本身的創作，也大量向各家唱片公司買版權，經過自家的調音，再重新發行，企圖心滿滿！他家的唱片風格，帶有一種健康的飽滿，你不會在華納的唱片上聽到氣若游絲的感覺，有的是穩定的高中低音域，它的音色並不特別華麗，但是很陽光，音場也不會出現海洋一般寬闊，但是中規中矩，該有的都有，我會聯想到早期的DGG唱片，但是華納的風格在透明度上更勝一籌。隨著唱片的發行，我發現華納並不是『某一張』有這種音色表現，而是整體都是這樣的表現，或許，我們正在面對新的唱片哲學產生，很高興能有這樣的新面孔。

Chopin - Piano Concerto No.1, Krakowiak - Stefan Askenase - Willem von Otterloo - Residentie Orkest Den Haag - DGG SLPM 138 083

Chopin二首鋼琴協奏曲，第二號比較早完成，第一號反而是在二年後才創作，主要是出版商發行的時間先後問題，這是他20歲的作品，很難想像這麼年輕就有這麼成熟的思路，首演是由Chopin本人親自上場，提獻給當時一位法國德裔鋼琴家Kalkbrenner卡爾佈雷納，這是在蕭邦移居到巴黎之後，Chopin一度成為他的學生，雖然因為理念不合，僅持續一個月沒有繼續，但是Chopin對他非常尊重。後來的發展，以Chopin超級的技巧，在當時演奏會和沙龍演出，很容易就收穫一大批學生，而且大部分是女學生，有了固定演出、授課之後，經濟也就有了保障，比起同年代一直為金錢苦哈哈的其他作曲家（如：柴可夫斯基.....），Chopin過得算是相當滋潤。但是據說本曲最早創造的源頭，根據他信件中透露，是對一位女士的愛戀，那種苦澀推動他寫下此曲，果然戀愛才是創造的泉源。蕭邦在巴黎過的風生水起，1934年（24歲）受邀參加音樂節，結識了孟德爾頌Mendelssohn，無論是文學、繪畫、音樂本身，都有很多好朋友定期聚會，那一位抽著煙，喜歡穿男裝的法國小說家喬治·桑Georges Sand也在這個時候出現，兩人迅速陷入愛恨情愁，多年糾葛，這一位名媛風情萬種，對當時27歲，剛結束一段悲慘戀情的Chopin有著極大的吸引力，當時喬治·桑前往到馬略卡島渡假（一說陪友人治病），剛好Chopin患有有肺結核，立刻前腳後腳的跟過去，不幸的是Chopin越治越嚴重，最後由喬治·桑陪同他離開，也算是一種冥冥之中的補償，這件事情喬治·桑還把它寫成了一本小說「馬略卡島上的冬天」。接下來兩人共同度過了10年的時間，後來的分手，推測是家庭決策態度的分岐，也有人猜測Chopin根本應付不了作風強勢大膽的喬治·桑。不過真正的原因，因為喬治·桑在72歲去逝前，燒掉了所有他們往來的信件，答案永遠石沉大海。這一首第一號鋼琴協奏曲有三個樂章，第二樂章的浪漫情懷，通常被認為是最美的部分。第三樂章作曲家引進當時非常流行的勇士舞節奏，結尾部分有一大段琶音，這被認為本曲最困難的部分，需要極為高超的技巧。大家都知道管絃樂的部分是Chopin的短板，Berlioz曾經這樣說過：「Chopin 的管絃樂，去掉沒有用的部分，就沒剩下什麼了」，第一號鋼琴協奏曲管弦配樂的部分，後來由波蘭鋼琴家Karl Tassig陶西格加以改動，直到目前演奏也大多沿用這個修正版本。最後談到鋼琴家Stefan Askenase，同時也是鋼琴演奏技法的研究學者，揚名在維也納，但是後來投入鋼琴教育，長期在布魯塞爾音樂學院服務，教導出來的弟子，個個名聲顯赫，包括Martha Argerich阿格麗希、Mitsuto Uchida內田光子、Naum Sluzsny等，後世認為Askenase在音樂教育上的貢獻，遠超過個人音樂上的成就。50年代起，他為DG錄了不少唱片，最有名的是Chopin的系統作品，這張就是其中的精品，和其他的版本比較，演出的速度聽起來出奇的慢，但每一個樂句雕琢得非常仔細，他提供我們一個完全不同的Chopin。
音效方面，1959/12的紅標大花版本，這是人類立體聲錄音唱片最早的一批，數量極為稀少，如果能找到片好的，絕對不要放過，因為你有可能只會遇到這麼一次。這張最早的大花，有著最豐富的細節，中音和中低音的重量感十足，高音比較暗，這是最早期紅標大花的特性，音場較窄，深度極佳，呈現一個遠距離的錄音。
音樂A
來自學院派教授的Chopin，精雕細琢，千錘百煉的沈澱，速度較慢，細節的變化很多。
音響A -
這是人類出現立體聲錄音，最早的一批唱片，高音較暗，是一個遠距離的錄音，如果找到片不錯的，絕對不要錯過。

Rachmaninov - Piano Concerto No.3 - Yunchan Lim - Marin Alsop - Fort Worth Symphony - DECCA 487 1024 ( Live 2022 Cliburn Competition )

號稱近年最高天賦的鋼琴之子，韓國新銳鋼琴家YunChan Lim 任奫燦，在Van Cliburn鋼琴大賽決賽曲目演出Rachmaninov 第3號鋼琴協奏曲，這是比賽現場錄音，演出一結束，不等結果公佈，樂團小提琴首席打破傳統直接走向他，向他表達敬意，評審們打分數過程，雖然沒有人說出來，但當所有評審望向彼此，就瞭解意見早已完全一致。在YouTube 上有決賽影音檔，幾個月觀賞就突破一千一百萬人次，有興趣的可以去找來看。之前在半準決賽，本來只要求貝多芬和巴哈等等就可以過關，這位猛人卻提出要彈Liszt 超技練習曲transcendental etude，考量到參賽者的年紀和體力，比賽本來要求彈一首即可，他卻一口氣背譜彈了全套12首，技驚四座！（這一段有CD發行），最終任奫燦毫無爭議奪得第16屆冠軍，可以說是碾壓式勝利，摘冠時他才18歲，成為該大賽（4年一次）歷史上最年輕的冠軍。任奫燦出生於2004年，是貨真價實的00後，更因為是完全韓國國內製造的鋼琴家，老師孫秀也是韓國人，迅速成為韓國新生代的門面招牌。不過到了這個程度，韓國國內已經沒有辦法繼續培養他，他在2023年轉到美國的新英格蘭音樂學院繼續深造。另外要提一下，帶領樂團表現極為出色的女指揮家Marin Alsop艾爾夏普，是第一位美國25大交響樂團的女性音樂總監，儘管剛開始巴爾的摩交響樂團有不同的聲音，但是這幾年漸入佳境，已經有許多不錯的作品產出。這一張2022年范克萊本鋼琴大賽的決賽錄音，任奫燦有許多出人意料的安排，讓這首曲子出現完全不同的面貌，他大量密集的快速彈奏，用長的旋律線搭配管絃樂團的節奏，因為曲子的困難度較高，以前使用這個方法的人較少，最出名就是本大賽冠名鋼琴家Van Cliburn和鋼琴大師Horowitz，任奫燦在這裏大量使用有如刺擊的敲打琴，聲音卻無比透明，在超凡的指力控制下，低音紮實無比，創造出屬於他個人特別的音色，現場指揮家艾爾夏普認為，這是40歲深思熟慮的靈魂，住在一個18歲的身體裡，甚至於到了最終樂章，雙方是帶著微笑一起完成演出，大賽評論指出，任奫燦挖掘出這一首，許多以前沒有想到的地方，非常有創意，又不顯得突兀，在此建議大家不要錯過。
音效方面，現代DECCA 哲學，現場錄音的氛圍掌握得很好，近距離錄音，以各家「比賽單位」發行錄音的水準算是上乘（如果你有蕭邦鋼琴大賽的錄音，比較一下就知道差很大），動態十分出色，屬於硬朗的錄音，很平實的展現樂器的質感，整體的氣勢驚人，透明度極佳，任奫燦力透琴也讓我印象深刻，聆聽者跟著熱血沸騰，當演奏結束，那種四面八方，排山倒海而來的歡呼，有如置身現場。
音樂A +
近年來最讓人印象深刻的拉三，范克萊本鋼琴大賽決賽的現場錄音，精彩無比，現場的熾熱，可以從觀眾的歡呼聲一覽無遺，讓我們彷彿置身現場，高度推薦！
音響A
氣勢蓬勃，整體的架構恢弘無比，雖然近距離錄音讓空間感沒有那麼出色，但是整體的現場氛圍，無比的過癮，使得整張的效果享受，從A-提升到A級水準。

Prokofiev - Piano Concerto No.1, No.2, Overture on Hebrew Themes - Vladimir Ashkenazy - Andre Previn - LSO - DECCA SXL 6767

這是鋼琴家Ashkenazy 阿胥肯納吉和指揮家Previn普列文的系列合作，如同Rachmaninov 系列一樣，獲得極高的評價，無論是音響性和音樂性，都算是一時之選。Prokofiev在1911年創作了第一號鋼琴協奏曲，這是在他逃避俄國大革命出走之前的作品，這個時期他已經有自己的思路，雖然和歐洲的浪漫主義音樂頗有不同，但是仍依照老師Rimsky-Korsakov林姆斯基-高沙可夫地教導，並沒有完全脫離傳統。首演由作曲家自己擔任鋼琴部份，在數年後的莫斯科音樂學院比賽，靠這一首Prokofiev拿到了Anton Rubinstein獎，當時他認為不太可能彈奏其他曲目贏得比賽，後來就抱著『反正它們也不知道我彈得好不好』的態度上台，最後評審當然知道他的小伎倆，不甘不願地把獎項頒給他。整首只有一個樂章，是Prokofiev最短的一首協奏曲。在1913年創作的第二號鋼琴協奏曲命運就沒有那麼好，原作在大火中焚燬，後來，作曲家本人在第三號完成後，1923年又重寫一次二號，其實更像是第四號鋼琴協奏曲，不過作曲家本人堅稱和1913年的內容相同，並於1924年首演，由Prokofiev本人擔任鋼琴部份，主要紀念在莫斯科音樂學院的一位好友，他最後和作曲家連繫後就自殺。第二號鋼琴協奏曲的內容，其實看樂器的配置和風格，已經完全是中期的安排方式，運用不規則的和絃，讓它的衝突性更高，不過整體的旋律並非難以接受，普氏風格已經成型。「希伯來主題序曲」在1919年完成，原來是六重奏，是為了一個猶太裔樂團在二天內創作的，15年後由作曲家親自改寫成室內樂版。俄國鋼琴家Ashkenazy阿胥肯納吉是俄國鋼琴家Lev Oborin歐博林的高徒，第五屆蕭邦鋼琴大賽第二名 ( 第三名是傅聰 ) ，接著再接再勵，比利時的伊莉莎白大賽上奪得首獎，接著在1962年柴可夫斯基大賽上和John Ogdon奧格東並列冠軍，履歷十分豪華，至此已經名滿天下，我們都知道他的Rachmaninov彈得入木三分，備受肯定，但是他的Prokofiev一樣精彩，他的曲目並不局限於俄國樂派，從他的唱片片單可以看出對古典樂派、浪漫樂派，甚至現代音樂都有涉獵。這裡要特別提出，鋼琴家兼指揮家的Previn普列文有很大的功勞，這一位俄裔猶太人出生在柏林，不久後逃離德國，自此在美國發展，最早成名於爵士樂，他是非常好的電影配樂作曲家，曾獲奧斯卡獎。在1960年後慢慢轉往指揮古典音樂發展，極為順利成功，或許有著電影配樂的獨特經驗，和他合作的獨奏家對他的風評都相當高，堪稱是最佳綠葉，光從數量眾多的協奏曲錄音，很多獲得極高評價就知道，絕對不只是一名單純陪襯那麼簡單，他同時也是很好的三重奏室內樂團成員。在我們這一代人的成長中，其實常常聽到他的訊息或是演出，深受大眾喜愛。他也曾和小提琴家Anne Sophie Mutter慕特維持過短暫的婚姻，可惜大師Previn已在2019年去世。這兩首鋼琴協奏曲在Ashkenazy的駕馭之下，配上Previn和他的子弟兵，演出極具特色，Ashkenazy有著俄系訓練的超凡指力，即使在ppp也能聽到那通透的音色，這種自帶格局的詮釋，產生一種陽剛的美感，在細節和大樂句的的處理上，大開大闔，讓人印象深刻。
音效方面，這是小DECCA後期1975年的超級製作，在DECCA 最出名的Kingsway Hall錄製，由神級錄音師Kenneth Wilkinson 操刀，宏大的規模，加上精緻的中高音延伸，整體的空間感相當出色，定位在中距離錄音下，仍然有相當好的保留，樂團的分層十分清楚，我要特別指出鋼琴彈奏的發聲點，都被捕捉下來，這一點在聆聽的時候可以多注意。
[音樂} A
Ashkenazy的觸鍵有著俄系的剛猛，又帶著一點浪漫的溫柔，加上Previn的子弟兵全力演出，相當出色的演出，完成度很高。
[音響] A +
小DECCA後期的中距離錄音，由神級錄音師Kenneth Wilkinson 操刀，細節和空間把握得非常好，雖然沒有誇張的音場，但是整體的完成度相當高，尤其是鋼琴高音的捕捉十分出色，示範級錄音

The Last Recital, Beethoven - violin sonata No.9 Kreutzer, Bach - Chaconne, sonata No.3, Handel - violin sonata No.3, Prokofiev - The Tales of an Old Grandmother Op.31 - Nathan Milstein , Georges Pludermacher - Teldec Warner PWC2L 0008

被譽為二十世紀最偉大小提琴大師之一的Milstein密爾斯坦，是從烏克蘭的奧德薩來的，非常幸運的是當時奧德薩有一位不世出的兒童小提琴教育家Pyotr Stolyarsky史托萊亞斯基，這是一位大高手，後來的小提琴教育者這麼形容他：「Stolyarsky只要牽起小孩的手，就知道能不能培養他成為小提琴家」，Milstein並不是超級天才兒童類型，但是從他的老師可以從茫茫劇院員工家屬中，挑出年僅6歲的David Oistrakh成為學生培養，就知道真的是功力通神。完成神奇兒童班打好基礎之後，Milstein被推薦進入聖彼得堡音樂學院，接受後來名動天下的超級名師Leopold Auer 奧爾教授的指導，並成為他的關門弟子，包括Heifetz等一長串學長們個個龍精虎猛，赫赫有名。當時的院長是俄國五人組的Glazunov葛拉茲諾夫，Milstein的第一次登台，就是和作曲家一起演奏Glazunov的作品，紀念他50歲生日。1917年革命爆發，奧爾離開蘇聯到美國，而Milstein開始他的職業演出（這時他也才14歲），在基輔遇到Horowitz霍洛維茲兄妹二人，1921年起和霍洛維茲二人全國巡演演奏，被捧為「十月革命之子」，從此成為好朋友。其中最後的高潮是回到聖彼得堡，Milstein再度和Glazunov同台演出作曲家的作品，Horowitz則演出Liszt 和Rachmaninov 第三號協奏曲。這時西方世界來了邀請，秉持著「讓西方見識我國的厲害人物」心態，高層批准了二位好朋友聯手到歐洲演出，只是這麼一離開，Milstein終生再也沒有回到蘇聯，Horowitz 則在1987年回到故鄉。最後維也納的音樂會，獲得極高的評價，台下的Schoenberg 荀貝格、Berg等大加讚賞。而Milstein這段時期，曾短暫拜訪小提琴大師Ysaye ，不過根據後來他自傳回憶，Ysaye告訴他：「你已經有很好的Bach和Paganini，我沒有什麼能夠教你的」。隨著渡過大西洋，在美國和Leopold Stokowski的費城愛樂完成首次登台，從此長居美國併入籍，晚年在茱莉亞音樂學院任教，Accardo阿卡多和Friedman都是他的學生。Milstein的技巧準確無比，評論認為是Heifetz海菲茲之後的第二人，但他刻意犧牲了一點點的準確性，換回音樂的生命，這讓他的琴音產生一種高貴的魔力，不需要靠特別的揉弦，而主要是靠弓的運作，讓複雜的樂句獲得極大的共鳴，對樂句不會特別誇張音樂的表情，而用自己的方式闡述，結果出現一種特別的音色，堪稱貴族的琴音。大師Milstein演奏的生命極長，1986年6月，在82歲時還在瑞典的斯德哥爾摩登台，座無虛席，現場琴音仍然飽滿無比，有如以往的溫暖高貴，這一場音樂會被稱為「Master of Invention」，當年有留下影像，而本張唱片就是這一場音樂會的現場錄音，誰都沒有想到，這竟然是他的最後一場演出，隨著不久後意外跌倒摔斷手骨，演奏生涯就此突然結束，徒留空谷琴聲，讓後人永遠懷念。
音效方面，華納唱片的品質非常好，沒有塞滿音軌，讓聲音的表現更佳，我發現並沒有聽到太多現場的干擾，高低音的延伸很好，音色遵循著華納唱片的哲學，樸實而精準，用嚴格的標準，我不能說錄音達到天碟等級，但是現場錄音給我們的享受，是錄音室無法取代的，高度推薦！
音樂A +
大師的最後身影，一切都恰到好處，內容也都是Milstein最擅長的曲目。
音響A
重現現場的氣氛，細節很多，延伸性很好，高音音色有著華納錄音樸實的特性。

Shostakovich - Cello Concerto No.1, No.2 - Yo-Yo Ma - Andris Nelsons - Boston SO - DG 486 6950

Shostakovich 一生受到史達林的影響深遠，二次被公開批鬥的殘酷事實，讓他的作品受到很大的影響，也對其個人的政治思維有諸多不同看法。不過在1953年史達林去逝後，雖然情況轉好，然而知根知底的作曲家協會仍有很大的控制力，不過至少自由度上升了許多。16歲的Rostropovich 羅斯托波維奇本來在莫斯科音樂學院學習，當時蕭氏在學校教授作曲，在認識後來拿到二戰後的莫斯科音樂大賽大提琴冠軍羅斯托波維奇之後，結為好友，兩人天天都在伏特加裏交流。蕭氏1959年為他創作第一首大提琴協奏曲，當時羅斯托波維奇只花了四天就完全掌握這首曲子（只能說天才都和天才在一起），並在Muravinsky穆拉文斯基指揮列寧格勒交響樂團下完成首演。後代認為這首是近代最困難的大提琴協奏曲之一，對演譯要求極高，諷刺的是其中有喬治亞民歌（史達林喜愛）的引用，和來自Prokofiev 作品的影子，雖然有四個樂章，通常後三個樂章一起演奏，尤其第三樂章有大量的大提琴戲份，非常考校大提琴家的功力，那種悠遠的俄羅斯意境，令人拍案叫絕，和第一號鋼琴協奏曲一樣，也有大量的銅管段落。數年後，蕭氏60歲時創作了第二號大提琴協奏曲，一樣提獻給羅氏，這首融入更多Shostakovich 對新古典主義的嘗試，感覺更為抑鬱和黑暗，在系統上，大家可以試著分辨定音鼓、鈴鼓，巴松管等樂器的位置，音色的變化讓帶一點冥想味道的曲子，增加了衝突變化，讓內容更為多元。這張唱片是馬友友2023年的錄音，二年後DG才發行，向來兼容並包的馬友友，喜歡思考，並在深思熟慮後演出，如此更顯價值，配合正值壯年的指揮家Nilsons帶領子弟兵波士頓交響樂團，整體表現嚴謹，看得出來操兵有成，本張是難得的佳作，大家不要錯過。
音效方面，新一代DG的錄音，本片電平略低，但細節和定位非常的好，讓人印象深刻，高低音的延伸，並不會因為音樂的進行而有爆衝的情況，相當的平衡，蕭氏的作品自帶的音響效果，對音響系統是很大的考驗，能不能聽得清楚，聽得完整，聽得舒服，值得發燒友們探尋，高度推薦！
音樂A
蕭士塔科維奇唯二的兩首大提琴協奏曲，堪稱大提琴家的挑戰，馬友友輕鬆寫意，完全展露出新古典主義的浪漫。
音響A
定位和細節表現非常好，讓人印象深刻，整體的聲部非常平衡，此起彼落的各類樂器，很考驗音響系統的能力。

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[B]初次試聽十年老機 - Boulder 1010前級[/B]
說這是試聽，不如說這是『感想』，日前自己前級Viola Spirit 液晶銀幕掛點了，送回代理商檢修的同時，好心的經銷商借了一台Boulder 1010前級讓我頂著用，雖然是已經停產的型號 ( 現在是1110 )，但在這一個多月的相處中，居然讓我慢慢看到它的特色，也讓我重新對Boulder的機器有了不同的認知。眾所周知Boulder的機器以精密、完成度極高著稱，雖然這幾年隨著高級型號推出，也讓售價水漲船高，但是好東西確實不寂寞，採用的金耳朵用家一樣不少，很多人都知道我本身喜愛管機音色，雖然沒有到無管不歡的地步，但是我手上的器材確實大部分都是管機，存留的時間也比較久，當Boulder 1010接上去的第一個印象，『聲音好瘦，背景很黑，音色帶有一種硬朗的特質』，由於是借用，我只能感謝，至少不會系統停擺。隨著相處的時間越來越久，我發現它的聲音，逐漸變化，和我第一時間聽到的有很大的差異。我願意把我發現的驚奇，和大家分享，儘管這是一台已經停產的器材。

前一代的入門Boulder前級，已經停產，但是仍然可以窺見他的音響邏輯


沒有太多的花俏，整體造型十分簡潔，聲音也有著和造型一樣的走向


我們不能說Boulder 1010前級『便宜』，但是在相對的參考下，物有所值，想想現在Hiend器材的漲福.....


熱機後判若兩人！帶有一種陽光的音場，有如午後望著陽光下的院子
經過幾次的使用，發現聲音是一點一點的改變，怎麼會這樣？推測這一台前級可能已經閒置一段時間沒有開機。完全體的Boulder 1010前級，展現出一種陽光下的音色，每一個東西都很札實的存在，不會像看『照片』，而是像欣賞雕塑，是有形體的，這一點表現得很好。說到陽光的溫度，這有別於另一家也是陽光型的ARC前級，ARC的光線是正午的亮度，每一絲皺紋和葉片紋理都清清楚楚，Boulder不會這麼熾熱，已經不在頭頂正上方的太陽，一樣溫暖但曬在皮膚上不會痛。在實體感方面，不是一刀兩斷式的，邊緣有過一些修飾，這一點和ML系統的略有不同，高音的延伸特別讓我感到有趣，聆聽的人不會感覺延伸特別被強調，這一點在高級晶體機裡面是少見優秀的特質，在不會有人懷疑Boulder的延伸下，能化有形於無形，很了不起。低音的控制力不會特別誇張，但這也和自己Viola後級有關。我要指出有一點我很喜歡，也是特別注意到這台器材的主要原因，就是『包圍感』，這在晶體機很難呈現的特質，在Boulder的小老弟身上居然可以發現，整體的氣氛往前延伸到喇叭的前方約半公尺，這樣的表現讓我相當吃驚，讓音樂充滿整個空間的包圍感，這種能耐一般都出現在各家頂級的產品上，1010前級有這樣的表現，非常特別。

安靜無比的背景，不會真空，而是帶有一種『黑』，讓樂器浮現出來


往前擴散的音場，非常厲害！有如陽光的下午，很舒服


整體的音場分佈略為後頃，喜歡舒服聽音樂的發燒友會很享受


呈現的音場略為後頃，透明度很好
Boulder 1010前級的音場略為後頃，雖然可以向前擴散，整體並不會造成聆聽者的壓迫 ( 有人喜歡，有人不喜歡 )，有如坐在音樂廳20排的座位，舒舒服服，又可以看得清清楚楚。透明度一向Boulder的強項，不過因為我聽過2010，高階的Boulder透明度更高，有辦法達到『數手指』的地步，只能說1010前級過關。還有一個特色，聲音的音色有一種『連貫性』，你會覺得聲音的密度很高，從每一個樂器的發生點，向四周蕩漾而出，好像有形的的物質，這種密度的表現對擬真度的表現，非常有幫助。

[B]結論感想
這是一台需要長時間熱機的器材，不禁回想到音響展聽到的Boulder，是不是都已經『熟』了呢？，不過這也許可以留給用家自己開發那種成就。此外，雖然這一台Boulder 1010已經停產，但它創造出的背景，有著讓物體浮出來的能力，這一點是讓我相當稱許，向前的包圍感，就算是這短暫借用的驚喜吧！在我這邊並沒有聽過新一代全套的搭配，如果搭自家後級會不會更好，可能要高手用家來告訴我們了[/B]

[B]分享軟體[/B]
Amina Claudine Myers - Salutes Bessie Smith - Leo Records LR 103 - 香港發燒天書


Walton - Sonata for Strings, Prokofiev - Visions Fugitives - Neville Marriner - ASMIF - ARGO ZRG 711


Beethoven - Piano Sonatas No.3, No.14 moonlight, No.23 Appressionata, No.26 Les Adieux, No.32 Variation in C minor - Evgeny Kissin - DG 479 7582


Mozart - Mass in C minor K.427 - Maria Stader, Hertha Tpooer, Ernst Haefliger, Ivan Sardi - Ferenc Fricsay - Radio Sinfonie Orchester Berlin - DGG 138 124


Masahiko Togashi & J J Spirits - So What - Venus VHJD -280

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[B]黑膠唱片兩三事 ( 30 ) – RCA黑膠壓片地點[/B]
最早注意到這個問題，當年Classic Records第一次重刻了許多RCA SD的名盤發行之時，和前輩李富桂先生討論到( 他手上有許多CR送他的首版紀念片 )，RCA每一個壓片地點和協力廠之間的音色問題，繼而引發到底要買哪一個地方才是『終極版位』？先說一下當時討論RCA，最主要的Indiana USA的壓片( 唱片內軌有一個『i』，還有其他地點就不列出 )，首版當之無愧，因為RCA比較少見像Mercury或是DECCA出現大量的Promo片子，連唱片內標都不一樣，這在Columbia、Lyrita‧‧‧‧‧都不少，如果以正常的RCA SD來討論，美國首版、英國首版、CR 180gm、CR 200gm、AP首版(有些直接是45rpm)，其中少量發行的就不討論，比方說CR 單面45rpm，因為品項太少，持有人不多。
如果以指揮、樂團、錄音地點最多的美國本地來說，我們期待的RCA SD美國版唱片是一片洶湧澎派，底部結實，整體有如熾熱的陽光一樣的熱情，這種幾乎是心中對RCA的印象。而CR 180gm版在厚度和寬鬆上，比之美國首版有過之而無不及，更為洶湧的能量，更為趨前的音場，音色上雖然沒有如美國原版，熱刀斬牛油，迅雷不及掩耳的動態，但勝在『量感』，也難怪在當年HP唱片庫失火後，直接更換榜單為CR 180gm版。更有甚之，後來出現第一批SACD，這一大批應該很多發燒友都有一些，一共80多個曲目，也十分成功。它的溫度不如美國首版熾熱，如果以溫度區分，還在還在溫暖熾紅這一邊，再來談到當年的英國版，也有相當多人喜歡，原因無他，因為好多張超級唱片都是英國樂團，英國指揮，於是就有『英國版才是原汁原味』一說，著名的Royal Ballet皇家芭雷，就是柯芬園樂團的演出，所以SB開頭的RCA唱片就跟著熱起來。它的音色光譜是在中性冷靜這一邊，其他的音響條件也是一項不少，再談到CR 200gm，我們以為比較厚，因為VTA改變，聲音會更厚，確實如此(如果不特別調整)，但是他的高音光譜卻是偏向中性這一邊，同一家重刻片公司，出現完全不同的結果，目前Classic Records也已經不再刻片。最後談到AP的重刻片，它的背景很安靜，足見使用的原料相當乾淨，刻的也很深，它的音色光譜，中性那條線往高溫靠近，但是不多。這算是目前比較容易買到的來源，值得注意。






[B]好片分享[/B]
Bruckner - Sym. No.8 in C minor - Georg Solti - VPO - DECCA SET 335-6

大器晚成的Bruckner，很晚才寫出比較體面的作品，當時出版包括三首很受歡迎的彌撒曲，和第一號交響曲，這時他已經40歲了。患有強迫症的他，會拚命寫下一串數字，通常代表的是每一個樂句的小節數，個性較為內向敏感的他，終身都在努力寫情書，企圖打動女人的心扉，可惜慘不忍睹，失敗只能說是必然的結果，據說情書的內容，全部都在討論他的作品，有如論文一般。Bruckner的個性非常在意別人的看法，只要有人批評他的作品，不管認不認識，他都會立刻拚命修改，這樣的結果，導致後代出現「布魯克納難題」，因為很難知道哪一個版本才是作曲者認定的版本。這一首C小調第八號交響曲，是作曲家真正完成的最後一首交響曲，並且畫押簽字。第九號只完成了三個樂章。不幸的是Bruckner自己又對第八號，陸陸續續改了好幾次。為什麼特別在意Bruckner的版本問題？因為他的作品往往改的面目全非，和初稿比較起來，就像是兩個不同的作品，這造成演奏採取的版本不同，聽眾感受到的也完全不同。第八號交響曲提獻給奧匈帝國皇帝約瑟夫一世，收到作品的皇帝，也很爽快地付了全部的出版費用。但是他早在三年前就完成初版，當他拿給指揮家好朋友審閱，對方建議他再修改，最後好不容易在1892年首演，由即將上任的維也納愛樂指揮Hans Richter擔綱，當時維也納有嚴重派別之爭，支持Brahms保守派的觀眾中途離場，但整體情形仍然算不錯，作曲家Wolf、J. Strauss等人都在現場聆聽，仍然算是一次成功的演出。目前常用的版本有1887年原始版、1890年皇帝版、及1937年開始Haas哈斯整理「混合版」三類版本，最後這一個版本是以1890版本為基礎，加入1887年刪減的部分，布魯克納協會兩次出版「混合版」，Haas版1945年，Novak版1955年，各自都有不少指揮和樂團採用錄製。第八號交響曲有著Bruckner的鮮明特徵，每一個樂章有多個主題，到了最後一個樂章全部出現，圓滿融合，這是他第一次把詼諧曲Scherzo放在第二樂章，把慢板Adagio放在第三樂章，類似的做法出現在Beethoven 第九號交響曲。利用重複短的樂句，層層疊疊架構長的旋律線，雖然漫長，但是卻不會無聊，它帶有華格納式的宏偉架構，聽起來讓人熱血沸騰。但這也就是保守派攻擊Bruckner的原因，認為他和Wagner是一夥的，但近年的研究已經還Bruckner清白，他的音樂不屬於Brahms派，也不屬於Wagner派，而是自己有不同的音樂構想。在他創造第七號交響曲的時候，Wagner已經去世，早年他怕被批評，為了和Wagner切割，甚至於刪改作品，但創造七、八、九號交響曲當時他已經60歲，可以看到Bruckner已經可以很成熟面對，而且自信無保留地放入Wagner的影響，像第七號獲得「女武神」部分的借鏡，一切顯得那麼自然，Bruckner曾經說過，在寫作第八號交響曲的時候，第一樂章確實會讓他想起「齊格菲」的片段。但若是整首和「指環Der Ring」比較，就會知道徹徹底底是完全不一樣的作品。本張唱片1967年大DECCA 時代發行，序號用的是套裝的SET開頭，ED 2的內標就是首版，採用1955年Novak出版的版本，指揮家Solti帶領維也納愛樂，黃金般的音色，為本曲加分不少，極佳的動態對比，讓本來就極為出色的Bruckner哲學，更進一步得到彰顯。
音效方面，大DECCA中期的豪華錄音，廣闊無邊的音場，嘹亮的銅管，絃樂群像海浪一樣而來，由於錄音的特性，會有「俯視」全部樂團的感覺。
音樂A
爆發力十足的Solti，加上有著黃金版銀色的維也納愛樂，華格納式的堆疊，在逐步加溫後，讓人是熱血沸騰。
音響A
大 DECCA中期的錄音，有著壯闊的音場，閃閃發光的管樂，有如海洋的絃樂群，中低頻表現可圈可點。

Rachmaninov - Piano Concerto No.1, No.2, No.3, Sym. No.2, Rhasody on a Theme of Paganini, Prelude in C sharp, Vocalise - Helene Grimaud, Nikolai Lugansky, Andre Previn - LSO - Warner 5021732275899

浪漫樂派後期的代表人物Rachmaninov ，據說小時候並沒有顯露太好的音樂天份，鋼琴彈不好，還會被處罰坐在鋼琴底下，父母離異後，除了鋼琴，學業都放牛吃草，好不容易9歲進入聖彼得堡音樂學院（這叫做天份不好？），12歲時到莫斯科追隨名師Nikolai Zverev茲韋列夫，從此和Scriabin史克裡雅賓等一干厲害角色成為同學，結果他一飛沖天，碾壓了這一眾同學，據說後來Scriabin去看精神科也和他的表現太好有關。Zverev教授不會一開始要求技巧，先安排學生聽大量的音樂，並請職業鋼琴家和學生四手聯彈，從中體會音樂的處理。另外一位聲學大師Anton Arensky教導他和聲，對他日後的作品影響也很大。在這段時間打下深厚的音樂基礎，也展露作曲天份，曾把Tchaikovsky 的Manfred symphony 改編成二重奏，獲得Tchaikovsky 大加讚賞。19歲時寫下「升C小調鋼琴前奏曲」，這一首作品成為他早期的代表作，不過作曲家本人曾經說過：「我後悔寫下這首曲子，因為每次音樂會沒有這一首，觀眾就不願意離開」（傲驕？）。同一年完成「第一號鋼琴協奏曲」，由Tchaikovsky 等人組成的評審團，評為第一名的成績畢業，並且成為院史上第三位金牌畢業生，名字刻在優秀畢業生的石碑上（上面兩個名字是塔裡耶夫Taneyev、克雷申柯Koreshchenko)，在他踏入社會後，卻過得相當艱難，此時Tchaikovsky 和Rimsky-Korsakov不吝伸出援手，但不幸在數年間，老師Zverve和Tchaikovsky 陸續逝世，這對他是嚴重的打擊，他創造了「悲歌Elegie」，致敬自己的老師Arensky，也有人認為這是對Tchaikovsky 的追念。更不幸的事還沒結束，1897年「第一號交響曲」首演徹底失敗，據說是指揮Glazunov院長喝醉酒，事前完全沒有準備，搖搖晃晃地上台，儘管有這個原因，但是Rachmaninov 十分難過，憤而撕毀手稿，陷入了好幾年的嚴重憂鬱，這幾年沒有任何作品產出或演出，正在這個困難的時候，俄國富豪出手，聘他為歌劇院的指揮，這解鎖了Rachmaninov 的第三項「指揮家」功能。後來接受心理治療師Nikolai Dahl達爾的催眠治療，才慢慢恢復，據說天天都要自己對著鏡子說：「我是最好的作曲家，我一定可以再寫出很棒的曲子」云云，所幸這個方法奏效，三年後滿血歸來，完成「第二號鋼琴協奏曲」，並且提獻給他的心理治療師達爾（哇！），由作曲家本人擔任鋼琴演奏，大獲成功，這一首後來獲得俄羅斯作曲大獎（Glinka獎）。1905年俄國大革命，他短暫搬到義大利、德國，這段時間他寫出著名的「第二號交響曲」「Vocalise無言歌」等，把他的名氣更往上推。1909年受邀前往美國，為此他特別寫了「第三號鋼琴協奏曲」，這一首曲子當時是寫給自己演奏和指揮，旁人覺得相當困難，難以演出，要知道Rachmaninov 身高198公分，左手張開可以橫跨13度，後來作曲家針對內容有做了部分的修正。在紐約的演出由Mahler指揮，Rachmaninov 鋼琴，好評如潮。回到俄國，成為莫斯科愛樂的指揮，但是俄國的局勢越來越混亂，作曲家Scriabin、塔裡耶夫Taneyev 等相繼身亡，感覺危險的逼近，1917年藉著受邀到瑞士演出的機會，舉家前往瑞士，後來陸續在美國及歐洲演出，就此沒有再回到俄國。1931年因為懷念故居，在瑞士琉森湖旁蓋了房子，陳設和在俄國的房子一模一樣，在此寫下「帕格尼尼主題狂想曲」，其中一段被電影「往日情懷Somewhere in Time」引用成為著名的背景音樂。1940年寫下交響詩「Symphonic Dance」，成為他最後的大型作品。他也寫過不少聲樂的曲子，「鐘The Bell」「短曲Vocalise」，後來被改變成各式各樣的樂器獨奏版本。Rachmaninov 還喜歡把以前的曲子改編為鋼琴版本，Rimsky-Korsakov的Flight of Bumblebee 大黃蜂的飛行，Kressler的愛之悲Liebesleid、愛之喜Liebesfreud等等，1943年69歲因黑色素癌去世。這二張一套的唱片是華納音樂對Rachmaninov的致敬，裡面全部是作曲家著名的片段，沒有特別太多的說明，只是標誌說明這些演奏家，都深受Rachmaninov 的感動，包括Helene Grimaud, Nikolai Lugansky, Andre Previn⋯⋯等。由各音樂家貢獻一段Rachmaninov的作品，可以試著從年輕到老，走過一輩子的作曲軌跡，如果想要體會Rachmaninov的音樂，我認為這一張唱片是很好的媒介，推薦！
音效方面，維持華納的路線，錄音十分乾淨，帶有一種健康的風格，每一個音聽起來都很飽滿，雖然是不同的作品集合而成，但是調整得很成功，不會有落差，可以注意到華納發行的外殼，直接就是放兩張唱片，而不是用單張的外殼，塞進去兩張，這個細節的用心，說明製作的完成度，值得拍手鼓勵！
音樂A
各式各樣，從年輕到老的作品，由現代的大咖音樂家輪番上陣， 十分紮實的作品，這是瞭解Rachmaninov 音樂的好途徑。
音響A
華納的錄音有一定的水準，音像紮實穩定，高低的延伸很平均，有一種健康的飽滿，不會加油添醋，很純淨的音色。

Happy Anniversary, Charlie Brown ！- Patti Austin, David Brubeck, Chick Corea, Kenny G, Dave Grusin, B.B. King, Gerry Mulligan, Amanti Murray, Lee Ritenour, Joe Williams - GRP GR 9596

Charlie Brown是史努比的主人，1950年由舒茲Charles Schulz所創作，到了1989年滿40歲，GRP特別發行了這一張唱片，可以相信，史努比應該陪伴許多人童年的成長。原作中，Charlie Brown是一個內向，有點遲鈍和固執的「老好人」，常常被自己腦袋卡住，然後就出現有趣的故事。在長達50年的創作當中，書中的人物照已經融入每一個跟隨著他成長的讀者，也產生很多研究「花生」的文章。比方說，在漫畫裡面，比較喜歡貝多芬，但其實現實生活中，作者有說他喜歡布拉姆斯更多一點。主人翁Charlie Brown一直都沒有學會踢足球，當最後一輯（作者因為中風宣佈不再創作），還是沒有讓他踢出一球，對於這個結局，作者Schulz事後淚流滿面，覺得自己太殘忍。在持續創作的50年內，每週更新一次，其間只中斷了一次，因為他生病住院，真是拚命呀！他長期患有先天性震顫的問題（不是帕金氏症），只要服藥就可以控制良好。可惜中風後，無法作畫，旋即於在2000年去逝，從此故事成為絕響，他的遺願要求不再以此藍本創作新的情節，雖然理論上版權屬於出版公司，但是他們仍然遵從Schutz的意思，不再開發新的劇情。根據Forbes的統計，他是世上最有錢漫畫家，每年大約有3000萬美元的收入。本唱片構思當時，獲得許多童心未泯的爵士樂高手響應，經過一番討論，除了共同演出的部分，這些大牌都貢獻了自己的絕學，至於名單上的Chick Chorea、Gerry Mulligan、David Brubeck、Dave Grusin、Kenny G、B.B.King⋯⋯這一長串的人有多厲害，這裡我就不再多說了。音樂十分爽朗可口，不論是唱功或是彈吹奏的技巧，都是一時之選，就單純以內容來說，也是不可多得的好專輯。
音效方面，頂著GRP的招牌，錄音效果簡直不要太好，樂器的質感十分絲滑，高低音的延伸 ，定位和音場都很優秀，主要是把慶祝的氣氛，烘托地很好。
音樂A
一群高手，共同為一個兒童時代的夢，貢獻自己的專長，整體的烘托氣氛非常的溫暖。
音響A
各種樂器的質感，高低音的延伸都非常的優秀，整個音場和細節，活𤫊活現，發燒友們的要求一定能夠滿足。

Brahms - Sym. No.4, R. Strauss - Death and Transfiguration Op.24 - Karl Bohm - Berlin Radio SO - The Lost Recordings

這張是68歲的Bohm大師，在1962年未發行的錄音首秀，在當時的Saal 1超級錄音室完成錄音。以精準嚴格著稱的Bohm，展現了「平凡中見神奇」的功力，沒有特別的花俏，對於浪漫樂派的掌握，有如宮殿建築群的宏偉，讓我們聽到有趣的Brahms 四號，這是Brahms最後一首交響曲，首演由作曲家本人指揮，R. Strauss理查史特勞斯負責三角鐵，造成轟動，本曲1897年在作曲家本人注視下演出，數天後Brahms逝世。大師karl Bohm獨特的風格，讓這首聽起來意境悠遠，若是和這個曲目最常拿出來Carlos Kleiber小克萊巴的版本比較（其他好版本也太多了），第一樂章Bohm的恢宏氣度，和Kleiber的溫暖愉悅，截然不同，有趣的是可以發現Bohm的柏林廣播交響樂團也擁有很厲害的能量，當然維也納愛樂音色更是上乘。著名三角鐵的第三樂章，二者給我的滿足分上下，我私下更看好Bohm的條理分析一點。第四樂章二位的爆發力都不容小覷，我更喜歡自由奔放的Kleiber演出。事實上Brahms 4號交響曲的好版本很多，也許大家會有不同的看法，畢竟這是浪漫樂派最後的濫觴之一。R. Strauss「死輿變容」雖然說附送，但是特別精彩！沒有意外，Bohm大師在理查史特勞斯的作品上，是相當有發言權的，一氣呵成，痛快淋漓，和較為抑鬱的Klemperer及速度自由的Haitink版本有不同味道，高度推薦。
音效上，The Lost recordings從來沒有讓我們失望過，這一張更厲害，已經達到天碟的水準，氣勢磅，尤其使用大喇叭的發燒友，絕對不要錯過這個錄音。
音樂A / A +
布拉姆斯的4號，可圈可點，這是浪漫樂派的重要曲目，理查史特勞斯的部分，無可置疑的好，沒有之一。
音響A +
天碟等級的錄音，使用大系統的發燒友絕對不要錯過。

zbubsummicron

Charlie Brown 那張唱片的背面也超級可愛的

eardoctor

[B]2025台北君悅音響展[/B]
今年的音響展改在君悅飯店舉辦，好處是交通比較方便，但是缺點也顯而易見，廠商對於空間不那麼熟悉，同時空間也小很多，所以聲音普遍沒有達到最好的水準，最後想出的辦法就是『爆棚』，短時間內比較沒有問題。發現今年用黑膠當作展出訊源的廠家變多，但也因為空間有限，有些甚至只能放在一般的桌上展出。

Rockport的新喇叭，看來很有擺脫以前路線的味道，很有看頭


ARC已經變得我都快不認識了


Burmester中大型系統，聲音很不錯


奇怪的顏色，據說還要加錢訂製，真是無奇不有


AQ + Daniel Hertz, 識貨的人不少呀！


很高興看到久違的Michell Gyrodec唱盤出現


環球知音仍是全員參展，要給它們按一個讚


Audio Note一向有很好的聲音，這一次也不例外，在不佳的環境中，發出相當好的聲音


MBL表示原廠換金主，和台灣這邊經營無關


Bergmann唱盤，剛剛換代理，現場展品相當漂亮


[color]Kharma大提琴永遠都是朝聖的精品，加上Boulder強力奧援，現場氣氛很好


Norttingham唱盤歷久不衰


YG Acoustic 造型很多人喜愛，聲音也不含糊，不過現場喝酒的人比較多，展現出好人氣！


EAT唱盤，現場看起來質感相當好


Audio Technica的夢幻唱盤，加上燈光配色，不過我在型錄上沒有看到，是秘密武器？


ART Premier系列，控制分離，也很精緻


SME老牌的實力不可忽視


努力轉型的老唱盤廠家SME


軟體永遠是最多人，38度C連Argerich都搬來了！Rogers喇叭重新有了代理

yajyh

感謝耳大的圖文分享。

看到今年那麼多黑膠唱盤而無法親訪很是可惜，還好時代在進步，網路多了動態採訪且幾乎所有廠商都報導了一輪，這比

親自去看音響展更有效率，且觀看這些採訪的過程也可以明白那些廠商是認真喜愛自已代理或經銷的產品[;)]

eardoctor

[B]黑膠唱片兩三事 ( 31 ) – 唱片如海，好片無涯[/B]

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Overture in Hi-Fi, Adam - Si J』etas roi, Auber - Le Domino Noir, Herold - Zampa, Reznicek - Donna Diana, Suppe - Pigue Dame - Albert Wolff - The Paris Conservatoire Orchestra - DECCA SXL 2008 ( BBB )

這張非常符合發燒友胃口的唱片，是DECCA在1958年最早期的立體聲唱片之一，很難想像在剛出現Stereo錄音，就有針對音響迷製作的唱片。收集的曲目內容是法國和德國的喜歌劇或輕歌劇的序曲。說起喜歌劇，就不能不提作曲家Boieldieu波瓦爾迪厄，他爸爸是主教，從小就接受鋼琴和管風琴的訓練，曾經去聖彼得堡任職，最後回到巴黎音樂學院，一生有四十多部歌劇，但他主要的作品是喜歌劇，這種帶有幽默、諷刺意味的作品，當時在巴黎非常受到歡迎。在他回到巴黎任教之後，引進了Rossini的輕歌劇，造成了一股風潮，也鼓舞了Auber 、Adam、Herold等人的創作。最年輕的作曲家Adam是Boieldieu的學生，他指導Adam認識Rossini的歌劇，並且嘗試著一起寫作彙整，1836年Adam早期的作品，就獲得不錯的評價，他的芭蕾舞劇Gisele吉賽兒至今仍然是芭蕾舞劇的標準曲目之一。1852年的「Si J』etas roi 如果我是國王」是後來的作品。作曲家Auber最出名的歌劇是1830年的「Fra Diavolo魔鬼兄弟」，目前仍常有演出。另一首作品「Le Domino Noir黑色多米諾」序曲，由華爾茲組成，展示西班牙女王舞會的華麗。作曲家Herold是Adam父親的學生，到法國之前，他就和Boieldieu一起創作作品，他們改編Don Giovani 內容成為新的歌劇「Zampa」，序曲激勵人心，海盜歌也非常好聽。B面記錄著德國的喜歌劇，這得說到移居法國的Offenbach，當時Rossini創作主要針對特定的演員，Boieldieu也以延襲這個思路，但Offenbach的歌劇更重視聽眾的感受，迎合流行的方向，更適合音樂廳演出，從此開啟了一個新的方向。本唱片收錄作曲家Reznicek 1894年在布拉格寫下「Donna Diana唐娜·戴安娜」，這是帶有西班牙風情的歌劇，序曲由其中一部，再反覆疊加而成，非常精彩。作曲家Suppe有四十部作品，他非常尊重作曲家Donizetti ，這部「Pigue Dame」的序曲使用大量的銅管，在節奏伴奏中，再回到嘹亮的管樂結束。最後是我們較不熟悉的作曲家Otto Nicolai，他是維也納愛樂的創始人，1852年這一首The Merry Wives of Windsor推出，大獲成功，至今仍是德國喜歌劇的常見曲目之一，有人認為，如果不是同時代的Verdi聲名太盛，其他地區對他的認識一定會更多。 荷蘭裔法國指揮家Albert Wolff一生大多在歐洲樂團，20歲從巴黎音樂學院畢業，他獲得和聲和伴奏的一等獎，二戰期間曾短暫在布宜諾斯艾利斯停留，他指揮巴黎喜歌劇院，留下許多膾炙人口的作品。許多法國作曲家歌劇作品的首演，都是由他擔任，
音效方面，本唱片名列各雜誌天碟榜單多年，從樂器的質感，到定位音場，高低延伸都是示範級水準，這也是我最早認識德法兩國喜歌劇的起點，高度推薦！

音樂A
透過德法兩國六位作曲家的作品，重現了當時喜歌劇的精髓，指揮家Wolff精準的控制，讓節奏恰到好處。
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立體聲的大DECCA 精品，示範級錄音，很早就名列各家雜誌天碟榜，播放這張如果樂器的質感不佳，系統應該要重新調整。

Masterpieces, Mozart - Adagio in E, K.261, Rondo in C K.373, Beethoven - Romance No.2, Wieniawski - Lagende Op.17 - Nathan Milstein - Walter Susskind - The Concert Art orchestra - Capitol SP 8528

擁有高貴音色的小提琴大師Milstein，並不是從小被認定的超級天才，以今天的角度看起來，當時有許多更厲害的小提琴家，更早就被發掘，但是Milstein一步一步捶煉自己，最後也是走到巔峰。出生於烏克蘭的奧德薩猶太家庭，被不世出的兒童小提琴教師Pyotr Stolyarsky發掘，這一位被同行教育人士評論：「他只要牽起小孩子的手，就知道他能不能成為小提琴家！」，同時Pyotr Stolyarsky也發掘了六歲的David Oistrakh、Zimbalist等人。在打好了基礎後，11歲Milstein被推薦進入聖彼得堡音樂學院，在這裡遇到後來的傳奇小提琴教師Leopold Auer奧爾，同門師兄個個厲害無比（Heifetz、Elman、Zimbalist、Shumsky ⋯⋯ ）。根據回憶錄顯示，Auer偶爾會要小徒弟Milstein到家裡幫他補課，據說這也是傳奇大師唯一私人家教的唯一一位小提琴家。最神奇的是最後聖彼得堡音樂學院的畢業學生名冊，居然找不到Milstein的名字，這件事情變成懸案。Milstein在17歲基輔的一場演奏會上，遇到了Horowitz兄妹，開啟了兩人多年的友誼，後來和Horowitz 兩人一起在蘇聯全國演出，被捧為「革命之子」，Milstein後來回憶說：「如果你身邊有一位像Horowitz 的高手，你就不需要管絃樂團了」。在歐洲演出的期間，他拜訪了比利時小提琴家兼作曲家Ysaye，回憶錄中說「我本來只想去喝一杯茶，沒想到就待了三年之久。」，但是Ysaye並沒有針對實質的技巧指導他，更多的是對音樂的理解，Ysaye認為讓Milstein思考他自己要走的路，這樣子比較好。在26歲那一年，終於踏足美國，第一次亮相是和Stokowski 的費城愛樂一起，後來他長居美國紐約，晚年隨著老師Auer在茱莉亞音樂學院和柯蒂斯音樂學院教學，Accardo等人就是他的學生。Milstein使用的小提琴有很多把，最久的一把Stradivarius 原名Goldman，為了紀念太太和女兒，就將它改名為「Maria·Teresa」，看起來也是超愛家男人一枚。他的演奏生涯非常的長，品質也非常穩定，直到1985年他82歲，還在瑞典的斯德哥爾摩登台，這一場有留下影音檔的紀錄，演奏會內容前幾年也有發行（Teldec ／華納），隨著接下來意外摔斷了手，這一場音樂會也成為最後的演出，所以被稱為「Last Recital」，有興趣的可以去找一下。有別於一般的Encores集錦，這一張是從他各演奏的較長片段當中截取而來，Mozart、Beethoven、Wieniawski⋯⋯，大多數是我們耳熟能詳的片段，你會注意到Milstein詮釋的方向和一般不同，他並不以炫技為主，反而規規矩矩，聽完他的演奏，你不會覺得生猛異常，高潮澎湃，反而會覺得中正平和，心情平靜，這也是後代評論Milstein的一個重要特徵，從早年的資料可以瞭解，他的小提琴技巧，可以在Auer教授門下師兄弟排在前面，從許多的研究慢動作，他並沒有一雙大手，但似乎沒有關節，緩慢的移動，有如撫摸小提琴，但精準無誤的落點，說明技巧的高深。他的刻意放緩，讓更多音樂理解填補了這個空檔，這造就了他獨一無二的音樂性。此外，他精研小提琴指法，對很多演奏的技巧提出不同的見解，透過簡單化指法的異動，創造了極為透明的音色，對小提琴演奏的改革有很大的貢獻。Milstein錄音最出名的，大概會認為1968當年得到格萊美獎的Bach無伴奏（DGG），其實以他演奏的時間之久，從巴洛克到現代音樂，都有涉獵。他和唱片公司有很多的合作，不論在法國或東歐，都留下不少作品。在Capitol中的錄音，只是他在美國的作品，這是一張瞭解大師在各個世代音樂詮釋的重要唱片。
音效方面，Capitol的錄音自帶美式風格的硬朗，透明度很高，但非常可惜的是溝槽較淺，以這麼多年的歲月洗禮，不容易找到完美片，我手上這一張的片，並沒有完美，大大影響聆聽的效果，所以只給出較次的評價，如果有機會重新聆聽AP版本或找到完美片的首版，也許有不同的結果。

音樂A +
從Mozart、Beethoven ，到Stravinsky 、Saint-Seans ，展現大師對各類曲目掌握的精細程度，中正平和，貴氣逼人，不驕不躁，不慍不火，堪稱極品。
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受限於我手上這張的片不完美，只給A- 的結論。但是仍然可以感受到Capitol首版超高的透明度，略帶美式風格的硬朗，高低無限延伸的特點，音場不是特別開闊，但是小提琴一出現，就會吸引住所有的目光。

Satie - 6 Gnossiennes, Trios Gymnopedies, Embryons Desseches, Je Te Veux, Sports et Divertissements - Anne Queffelec - Erato 0190295078843

法國作曲家Satie說：「每個人都會告訴你我不是作曲家，這是真的！」。他早年並沒有顯露出音樂天份，直到他的後母到來，不過也因為如此，一開始他對音樂是存在仇恨的。進入巴黎音樂學院後，也因為表現平凡無奇，二度遭到退學。21歲時回到波希米亞風格藝術氣息濃厚的蒙馬特區，他和不少當代詩人都是好朋友，這一點也反映在他的作品當中。1888年22歲的他創作了三首「Gymnopedies裸體歌舞」、六首「Gnossienne」（源自一種慶典中的舞蹈），但這個時期實驗性質比較高，開始嘗試不用小節線，二者都出現類似催眠式的節奏，後來分別由Debussy和Poulenc改編過。Satie在黑貓夜總會固定演出，並認識了Debussy，這兩位都是波西米亞人，一樣經濟困頓，自然變成好朋友，不久之後就陷入了宗教的狂熱迷戀，創造了不少宗教相關的音樂。1893年27歲的Satie迎來生命中的一個重大轉折，他認識了畫家Suzanne Valadon瓦拉東，她從裸體模特兒開始，最終成為第一位加入法國美術協會的女性畫家。Satie對瓦拉東非常迷戀，為她創造了許多熱烈的曲子，在一起第一個晚上之後，向她求婚，不過沒有成功。五個月後，瓦拉東送給他Satie的畫像後，就搬走了。他的失戀作品「Vexations屈辱」，規定演奏者要連續彈這個片段840次，而且不能動，時間超過20小時，還居然有數位鋼琴家作到了。這時Satie買了七件芥茉色樣式一模一樣的天鵝絨外套，輪流穿不改變，被稱為「天鵝絨紳士」，這時間起不再對宗教狂熱。接下來他以歌舞表演鋼琴為主，為了生計，開始改編流行歌曲，「Je te veux我要你」是當時Henry Pacory演唱的色情歌曲，他把它改編成華爾茲聖歌（驚！）。「Le Piccadilly-March進行曲」也是如此，不過他晚年時卻批評他自己這時候的作品不入流，是粗鄙的。1902年在聽過Debussy歌劇「Pelleas et Melisande 」後，大受啟發，在接近40歲的高齡，重新進入音樂學院跟隨作曲家Russel學習對位法，對於他自己的決定很自豪。1911年Ravel成立的一個音樂組織，主要以前瞻性為主，有別於傳統的「國家音樂學會」，Ravel演奏了Satie的作品，Debussy接著演出他的Gymnopedies，一瞬之間，Satie突然成為現代和前瞻音樂的代言人，終於把他從夜總會裡面解放出來。「Sports et Divertissements體育與娛樂」是當時雜誌出版，打算和20張插畫一同發行，文字稿被Satie進一步寫成音樂（據說本來要找Stravinsky )。而模仿三種海生物的「Embryons Desseches乾燥胚胎」也是這時期的作品。「Veritables Preludes flasques 前奏曲」則是對當時Debussy Preludes I 的回應。晚年成為「法國六人團」的精神領袖，他們反對「印象派」，但也不喜歡「華格納式的設計」，崇尚直接的感情表達，雖然這個團體沒有存在很久，但是對後代音樂的影響是顯而易見的，包括Debussy、Stravinsky 、Poulenc等。雖然最後因為沒有去欣賞他的作品，和Debussy鬧翻，但是Milhaud等人都和他保持良好的關係。現年77歲的法國鋼琴家Anne Queffelec，是作曲家Henri Queffelec的女兒。其實她本來對文學比較有興趣，但是在耳濡目染之下，開始學習鋼琴，進入巴黎音樂學院後，陸續獲得鋼琴、室內樂類的首獎，師承鋼琴家Demus 和鋼琴家Skoda。在本唱片她捨棄誇張的方式，改以平實的路線演繹Satie歷年的鋼琴作品，給人耳目一新的感覺。
音效方面，法國鋼琴家，法國曲目，法國唱片公司，這樣的組合要衰聲也很難，Erato 自成一格的錄音哲學，展現一個恰到好處的殘響，高低音非常平衡，如果不知道，還以為是學校教學的錄音，特別是低音下潛的幅度非常優秀，中音部分很寫實，並不會特別加油添醋，很傳真的錄音。

音樂A
幾乎完整的把Satie一生重要的鋼琴作品展現，由法國血統純正鋼琴家演出，非常紮實的作品。
音響」A
Erato 非常平衡的錄音，不論高中低都非常的真實，透明度一流，中距離錄音，但是細節捕捉的很好。

Valadon瓦拉東的畫作，有別於一般裸女的羞澀，她的作品是直勾勾的看著觀眾，目前正在台北故宮的『紐約大都會博物館展覽』展出中



Berg - Violin Concerto, Stravinsky Igor - Concerto for violin and Orchestra - Itzhak Perlman - Seiji Ozawa - Boston SO - DG 2531 110 - 日本唱片藝術，格萊美獎，企鵝三星

這二首小提琴協奏曲有許多共同點，首先，這二首都是受小提琴家委託寫成。其次，這是同時代的作品，「新古典主義」樂派和「新維也納」樂派存在的時間差不多。作曲家Berg在1935年接到美國小提琴家Krasner委託創作一首小提琴協奏曲，不過當時他正在為了歌劇「Lulu」努力中，並不怎麼認真。但年中發生一件事，德國建築大師、Bauhaus國立建築學校校長Walter Gropius葛羅培斯，和名媛Alma Mahler ( 作曲家Mahler的前妻 ）的女兒突然去世，這件事讓Berg改變主意，迅速完成這二樂章的小提琴協奏曲，標題「紀念一位天使」，內容仍遵循十二音的基礎，在巴塞隆納音樂節上，由小提琴家Krasner首演。不幸的是Berg在四個月後感染死亡，這也成了他最後的完整作品（歌劇Lulu在Berg逝世時並未完成）。Stravinsky一生致力於管絃樂和歌劇、芭蕾舞劇的創作，但在德國巡演出時，偶然在出版商處，受到著名的波蘭小提琴家Dushkin杜希金委託創作一首小提琴協奏曲，Stravinsky 一開始是很隱晦的暗示這個樂器他不熟，但是出版商一再保證小提琴家Dushkin會參與技術的部分，他才勉強答應和Dushkin在巴黎會面。有趣的是第一次會面，Stravinsky 在餐巾紙上寫下第一個主題和弦，小提琴家直接就說這無法演奏，兩人這頓飯就匆匆結束。但是回家後的Dushkin試著演奏之後，發現並不困難，興奮地打給Stravinsky ，這個和弦就成為貫穿全曲的第一個基礎。作曲家Berg的個性也不是拖泥帶水，在1931年就完成了這一首曲子，柏林首演由Dushkin演出，Stravinsky親自指揮柏林廣播交響樂團，日後，在1935年Dushkin演奏，作曲家親自指揮，和Lamoureux管絃樂團共同完成了歷史的首次錄音。這首四個樂章的小提琴協奏曲，根據作曲家自己的說法，是更像室內樂的管弦音樂組曲，並沒有刻意創造單獨小提琴的部分，整首曲子一樣遵循著Schoenberg 十二音的基礎。小提琴家Perlman和指揮家Ozawa小澤征爾帶領波士頓交響樂團的子弟兵，把兩首曲子做了精準的詮釋，其中許多令人不安的不完全和弦，處理得非常出色，Perlman完全不會讓人有坐立難安的感覺，當然這部分DG的錄音也幫了大忙，這是Ozawa在波士頓期間留下來的作品，受到許多人的喜愛，由於需求量高，近期已經又重新發行。
音效方面，這是小花時代的精品，Ozawa帶領已經升級過的子弟兵，整場精彩演出，Perlman也沒有讓我們失望，就算是高把位，也絲毫沒有刺耳的感覺，如果聽起來小提琴聲音很刺耳，應該回頭檢視自己的系統。這是出乎意料好聽的唱片，有遇到不要錯過。

音樂A +
Berg和Stravinsky 根據十二音創造的小提琴協奏曲，非常具有當代的風格，這是非常容易接受的現代主義音樂，高度推薦。
音響A
DG小花時代的精品，不論高低音的延伸，樂器的質感，衝擊力和速度，都是上上之選，很考驗系統統合的能力，如果會刺耳，可能就需要重新檢視自己的系統。

Pachebel - Kanon, Tchaikovsky - Serenade for Strings, Vaughan Williams - Greensleeves, Borodin - Nocturne - Leonard Slatkin - Saint Louis Sym. Orch - Telarc DG 10080

Pachebel是被低估的巴洛克時代作曲家，事實上他在管風琴、宗教音樂上有很多的貢獻。他有一段時間在Eisenach艾森納赫擔任宮廷管風琴師，而這裡就是Bach的家鄉，他跟Bach的父親互相認識，並且教導Bach的哥哥音樂，而Bach的音樂啟蒙是由哥哥代勞。Pachebel最廣為人知的作品是D大調Kanon (Canon) ，Kanon (canon)並不是曲子的名字，它是一種音樂的型態，大概相當於後代的「疊加式的輪奏」。俄國作曲家Borodin的Nocturne夜曲，在1881年創作了第2號絃樂四重奏，獻給他的夫人，回憶他們兩個人相遇的快樂時光，恬靜優美的第二樂章，帶著俄國本土的弦律，因為太好聽，所以常常被拿出來以管絃樂團單獨演奏。英國作曲家Vaughan Williams 的Fantasia on Greensleeves綠袖子幻想曲，事實上在1575年就有註冊「My Lady Greensleeves 」的歌謠，有一個說法是亨利八世和他愛穿綠衣裙的情人安妮的故事。然而在自己衣服上套上情人的袖子，也有宣示的味道，只不過國王和皇后的侍女結局是悲劇。同時莎士比亞在「Merry Wives of Windsor 」當中就兩次提及，從這個基礎上，Vaughan Williams在1929年的歌劇「Sir John in Love」中，納入了這首民謠旋律，由第三幕女主角唱出Greensleeves 的主題，演奏中段還融入作曲家收集的另一首民謠「Lovely Joan」。整段音樂經過英國作曲家Ralph Graves重新編曲，1934年以管絃樂版的方式，在倫敦由Vaughan Williams指揮首演，利用二支長笛和豎琴營造淒美夢幻的氛圍，帶著淡淡的憂傷，這就是我們今天聽到的版本。Tchaikovsky 在1880年初，被要求為即將來到的沙皇亞歷山大二世登基30年創作慶祝音樂，一開始因為錢談不攏，作曲家表現得不太積極，直到11月鐵路大亨的遺孀梅剋夫人開口，作曲家迅速地完成那兩首曲子，他這麼形容慶典用的那一首：「如果演奏當中你們覺得無聊，我一點都不意外。」這首他認為可有可無的曲子，它的序曲大大有名，就是「1812序曲」。同時間他創作了一首四個樂章的絃樂小夜曲，第一個樂章直接破題，很明顯有Mozart的影子，根據後來Tchaikovsky 自己的說法，是想致敬Mozart。整首曲子透露出一種優雅，華爾茲和俄羅斯民謠穿插其間，充滿了喜悅和悠閑，作曲家本人非常喜歡這一首曲子，常常向人推薦，希望在音樂會中演出。美國指揮家Leonard Slatkin系出名門，他的父親小提琴家Felix Slatkin 和母親大提琴家Eleanor Aller都是著名的Hollywood 四重奏的成員，他師從茱莉亞音樂學院Morel教授和指揮家Susskind，1966年出道， 1977年成為Saint Louis交響樂團的音樂總監，在18年努力經營之下，成長為一線美國交響樂團，並且和各家唱片公司簽約，包括 EMI、Telarc、Naxos等。2008年接替Neeme Jarvi成為底特律交響樂團新任總監。徹底改造了這個樂團，同時也平衡了樂團的財務狀況。2009年在荷蘭演出時發生心臟病，之後就盡量減少演出。他指揮的風格流暢，會特別注意音樂的流動，和樂團之間的相處也很融洽。
音效方面，早期Telarc全力製作，中距離的錄音，堂音適當，我們聽到的是一個較為融合的管絃樂，不會有特別突兀或爆棚的感覺，中低音的量感並不會特別多，速度很快，透明度和空間感一般，不過音樂的處理著實好聽，聲音非常平衡。

音樂A
讓人心曠神怡的好音樂，每一首都耳熟能詳，指揮家Slatkin帶領Saint Louis 交響樂團的子弟兵，將士用命，給了我們一場很棒的音樂盛宴。
音響A
不是所有的Telarc錄音都是爆棚，中距離的錄音，我們聽到的是一個融合的管絃樂團，聲音非常平衡，如果空間感和透明度可以再更好一點，就會有挑戰示範級錄音的實力。

eardoctor

[B]努力用心的玩家 -- MBL和Duenas的陳老闆[/B]
陳兄經營頂級和牛生意多年，事業相當成功，在業界有口皆碑，是中部，乃至全國都有粉絲慕名而來，數年前在一個偶然的機會，挑選唱片時相識，當時陳兄表示系統剛剛進來，一切還在調整中，看檔案照片，確實也是如此，今年在台北音響展重逢，敲定時間就前往朝聖。首先見到是一個完整的音響室，陳兄使用全套MBL系統，從數位系統到前後級、四件式喇叭，一應具全，好東西一個都不漏。唱盤使用Transrotor + EMT JSD 5 組合，室內佈滿了精緻的藝術品，最特出的是許多不同種類的吸音擴散板，這和當初可大大不同，最吸睛的莫過於小提琴家Duenas美女的照片，一經瞭解，原來是一個吸音板，據說各種照片都可以放上去，果然成功人士就是品味超卓，這一位可是當紅炸子雞。猶記的我結婚以前也可以放Argerich，後來家庭地位節節下降，依照懿旨，只能放全家福或老婆的照片.......。音響室圍了半圈的威士忌酒，原來主人對酒也很有研究，看來是全能才子無疑。暖場聽了幾張CD後，就進入正題。

美酒加上美聲，光用想的就令人陶醉


全套MBL大陣仗，直接武裝到牙齒


新銳小提琴家Duenas的擴散板，美觀又好用


極限空間內的四件式系統，消化多餘能量花費無數苦心
台灣大多在鋼筋混泥土空間，使用大型系統，就需要有呼吸的空間，不過有如老話一句：『最貴的器材叫做空間』，往往並不是先有喇叭再來打造空間。不過主人這方面相當投入，以四件式喇叭MBL大傢伙的能量，在主人口中16坪的空間確實是極限操作，一般我們會在喇叭端採擴散方式，聆聽端採吸音，不過由於能量過高，主人採用多層次的吸音，希望中高音的部分能夠清晰，當多餘的繞射問題被突破後，終於獲得一個理想的中高音。這一部分的辛苦，克服了以大音壓進行時，中高音能量的溢散問題，以MBL四件式喇叭而言，這一個距離是比較接近中高音柱，雖然因為360度發聲，沒有直接而來的結像容易偏移的問題，但不諱言的，音樂的能量著實巨大，同時，我們也發現在處理了中高音的問題後，聲音的傳遞更為清楚，更為立體，比較不會受到干擾，這也是主人用盡心思要做出吸音的環境，主要也是為了音質的改善，這一份努力顯然獲得相當好的回報。再來是低音的問題就更難處理，大家都知道除了少數特殊的設計，低音的能量很難『減少』，於是主人採用的是從源頭上降低，我們可以看到低音柱擺放的位置非常靠牆，換來較少的低音輸出量，這一點要和中高音做很好的平衡，我們聽到一個收縮相當快速的低音，這在大系統上不容易，不過與其引起大量駐波，不如減少量感，反正這麼大的系統，少了一些，氣勢還是很驚人！在此高中低完成平衡的搭配，主人的努力也有了相當出色的回報。

低音駐擺放的位置相當靠後，減少低音的量感，巧妙和中高音達成平衡。


吸音和擴散的選擇經過很多次的嘗試，不好就拆掉重做！


使用Transrotor唱盤系統，相當穩定


溫暖渾厚的聲底讓人印象深刻，動態不容小覷，系統和空間的結合十分出色
經過陳兄精心調整的盤臂頭系統相當出色，Transrotor提供穩定的基礎，EMT JSD 5 唱頭讓系統活力十足，和MBL的特性發揮互補之功效，這一點和許多MBL用家使用硬盤不約而同，可以說深得其中三味。

在短短的兩小時中，我們聽了各種類型的音樂，系統的表現確實反映的主人的努力，這一下午美酒加美聲的招待，我們依依不捨地離開，謝謝陳兄的招待，期待下次再相聚。

使用EMT JSD 5唱頭，讓系統活力倍增


為了較近場的聆聽，主人花費無數的心力處理聲音的平衡


四周堆滿了藝術品和威士忌酒，主人品味非凡