Wilson Audio 系統搭配的經驗( 2004~ )

eardoctor

[B]找尋黑膠系統的聲音搭配組合 ( I )[/B]
目前系統尚有兩組唱盤，
Basis Debut V Signacture + Triplanar VII + Clearaudio Goldfinger Statement II，


另一組是Forcell 氣浮加值切臂 + Ortofon Anna Diamond，


先來說說這兩組系統的差別，
Basis 系統非常穩定，這是我對Basis非常信任的原因，甚至在另外一組Westlake TM3系統，我也用上另一部Basis，它的功能可靠，故障率極低，有沒有壞掉過？有，我之前搬家以為放在車上自己載沒有問題，搖晃的結果油壓壞掉，換了四支油壓避震柱，所費不訾，所以搬動這一類軟盤，不要貪圖方便，一定要固定好。新品購入至今已經超過20年，中間換過皮帶多次，聲音中性，不論配上Graham或是Triplanar，完全能展現出唱譬的特色，交互比較下，輕鬆可以知道兩支唱臂的差異相當明顯。Basis有一個好處，只要不搬動，他的設定幾乎不會跑掉，這就是穩定的來源。Graham 單點臂自由度很高，簡單好調，中高音飄逸，延伸特別好，這是他大賣的原因，而且容許度相當高，內圈的聲音減損較不明顯，仍能有外側相似的音質。Triplanar有如一個精密的工藝品，所有想的到的關節都可以調整，使用者如果有很好的耳力，或是現在可以借助電腦或儀器的分析，就可以逐步調整到最佳狀態，喜歡動手的用家會很高興，Triplanar的中低音非常穩，會讓聽者升起一種安全感，也讓音樂基礎非常好，中因厚實，雖然沒有飄逸的中高音，但是只要調校正確，它的高音厚度和延伸兼具，低音部分比較多，為了避免擁腫的現象，選擇低音速度的搭配是必要的，我使用Clearaudio唱頭，搭配Siltech用意就是如此。另外Graham上則搭配Benz Micro LP唱頭，搭配Cello線材。




Forcell唱盤氣浮系統，包含一支直切臂，如同別的Forcell用家一樣，會讓用家又愛又恨，這是一個嬌貴的系統，當正常時，會讓用家無比幸福，但耍起小脾氣時，也會讓用家發狂。為什麼？Forcell使用低壓馬達，所以聲音非常低，這和Walker、Kuzma不同。Forcell不需要特別拉管路到遠處的房間。其次，直切臂帶來的好處不言可喻，它的唱臂本身並不會太長，所以保有相當好的靈活度，這對直切臂相當重要，只要選擇的唱頭不要太重，順服度就有一定的保證。說道Forcell難搞之處，最早我在李前輩的系統上聆聽時，就相當佩服他花了無數心血去調整唱盤系統，不論是皮帶的選擇，空氣的濕度控制，溫度的調整，每一個細節都要非常注意，可以說Forcell是天堂與地獄的合體。為了彌補直切臂聲音較薄的天生缺點，我使用中音域極為優秀的Ortofon Anna Diamond來搭配，在Orfoton強勢的介下，溫潤的中高音，渾厚優美的中音，較多一些的中低音，補足了直切臂中低音較少的缺點，唯一無法改變的是低音的速度，很幸運的，我在購買前並不知道Ortofon Anna Diamond低音的速度，結果居然挖到寶，和一般的Ortofon較多的低音，但是只能算中等的收縮速度不同，Anna Diamond低音的速度一點都不慢，直追Clearaudio Statement，讓我大吃一驚。不過後來加上Ortofon ST-80SE自家升壓器後，又有不同的發展。

李前輩的Forcell也花了無數心血


上面的系統使用了年餘後，就開始想想，怎麼可以再進一步開發系統的聲音，
隨著Ortofon ST-80升壓器的加入，就出現各種不同的組合，
本著發燒到無藥可救的信念，決定把不同的組合優缺點瞭解一下，
看看有沒有可能更上一層樓。
[B]
Aesthetix Rhea 有MM、MC可以選擇
Ortofon ST-80SE MC升壓器
Accuphase C-27唱頭放大，MM、MC可以選擇
不同唱頭得混搭的結果[/B]

eardoctor

[B]找尋黑膠系統的聲音搭配組合 ( II )[/B]
Cello Suite頂著前代機皇的的地位，聲音相當厲害，以前常有發燒友問到，Mark Levioson早期，如ML-6，和Cello Suite，和我目前的Viola Spirite都是系列作品，聲音有甚麼不同，我可以這麼說，如果有一塊木頭，當鋸開一個斷面，ML就是乾淨俐落的斷面，沒有拖泥帶水，要注意我說的是『木塊』，而不是鐵器，因為他的邊緣雖然整齊，但是用手摸是完全不會受傷的，這就是早期ML的能耐，既能切開又能保持不傷人，著實厲害。而Cello Suite就是在這個邊緣上，做出一點點地打磨，變得更不銳利，但是你仍然可以感受到切開的斷面相當整齊。至於最晚出現的Viola Spirit 就是在Cello的基礎上再打磨出倒角，小範圍的弧形。
收藏的Cello Suite拿出來透透氣


回味一下當年機皇之一的風采，現在仍然有許多資深發燒友使用中


回頭說到在Clearaudio Goldfinger Statement II 的搭配上，我們有幾種選擇，
一、直入Cello Suite P 101 MC + MM
二、輸出直接進入Rhea MC + MM 再回Cello Suite 高電平檔
三、輸出進入Ortofon ST 80SE升壓器，進Rhea MM，在進入Cello Suite 高電平檔

[B]直入Cello Suite P 101 MC[/B]
回到ClearAudio Stetement II 直入Cello Suite MC，它的Gain完全可以應付，不過本來Cello就不以暴力見長，控制力十分優秀，尾韻適中，音場的深度相當出色，我會覺得比較內斂，這個聲音直接反映Cello，而不是唱頭的音色。低音比較少，聲音有一種午後的溫暖，淡淡的，十分安祥。


[B]輸出直接進入Rhea MC + MM 再回Cello Suite 高電平檔[/B]
我以為Cello中性的本質，會被Rhea 裡面真空管特色帶走，結果完全不是，仍清楚保有Cello的聲底，但是在兩端的延伸上更好，空間感更高，我想是真空管的特色。低音的部分並沒有特別改變，但是中音的頭明度更好，這一個改變是我喜歡的風向，雖然犧牲了一點黏稠度，但更為清爽，音場最大的變化是高度，還有往前的擴散更好一些，這對室內樂愛好者是一個好的改變。但是老管的噪音較明顯。


[B]輸出進入Ortofon STE 80升壓器，進Rhea MM，在進入Cello Suite 高電平檔[/B]
在這種情況下，我只聽到Ortofon的聲底，溫暖，厚實，高低的延伸很好，但是低音較多，下潛的程度不及上兩組合，但是空間的包圍感似乎凝成實質，有如在看一個有聚光燈舞台上的話劇或現代劇，除了它展現的『空間』外，甚麼也沒有的感覺十分強烈。這個舞台，深度相當出色，左右的寬度超過喇叭兩側，不過喇叭外的聲音，殘響的比例和第一反射音不及單純進入Rhea的反應，指搭上一台Ortofon升壓器，就創造出美麗的音色，這是我之前沒有預料到的。


[B]結論：
再三組的比較ˋ下，我覺得第三組的分數最高，第二組次之，Rhea當中的真空管搭配我研究了很久，但是為甚麼總分不及經過ortofon升壓器呢？
第一、有真空管噪音，雖然聆聽時部會感覺到，但是心中就是一個坎，不舒服
第二、當時的Rhea是以Viola Spirit為準進行真空管的搭配，但是Cello Suite和Viola聲底仍有一點點差別，這一點導致不會最合拍Cello的高電平，說起來是勝之不武。[/B]

註：Cello Suite是我的備機，多年沒有使用，剛好也藉著這個機會透透氣，也回味一下以往機皇的神蹟。

自己一畝三分地的小系統

R. Yang

[QUOTE]原發表者是 eardoctor
[B][B]找尋黑膠系統的聲音搭配組合 ( II )[/B]
Cello Suite頂著前待機皇的的地位，聲音相當厲害，以前常有發燒友問到，Mark Levioson早期，如ML-6，和Cello Suite，和我目前的Viola Spirite都是系列作品，聲音有甚麼不同，我可以這麼說，如果有一塊木頭，當鋸開一個斷面，ML就是乾淨俐落的斷面，沒有拖泥帶水，要注意我說的是『木塊』，而不是鐵器，因為他的邊緣雖然整齊，但是用手摸是完全部會受傷的，這就是早期ML的能耐，既能切開又能保持不傷人，著實厲害。而Cello Suite就是在這個邊緣上，做出一點點地打磨，變得更不銳利，但是你仍然可以感受到切開的斷面相當整齊。至於最晚出現的Viola Spirit 就是在Cello的基礎上再打磨出倒角，小範圍的弧形。
收藏的Cello Suite拿出來透透氣


回味一下當年機皇之一的風采，現在仍然有許多資深發燒友使用中


回頭說到在Clearaudio Goldfinger Statement II 的搭配上，我們有幾種選擇，
一、直入Cello Suite P 101 MC + MM
二、輸出直接進入Rhea MC + MM 再回Cello Suite 高電平檔
三、輸出進入Ortofon ST 80SE升壓器，進Rhea MM，在進入Cello Suite 高電平檔

[B]直入Cello Suite P 101 MC[/B]
回到ClearAudio Stetement II 直入Cello Suite MC，它的Gain完全可以應付，不過本來Cello就不以暴力見長，控制力十分優秀，尾韻適中，音場的深度相當出色，我會覺得比較內斂，這個聲音直接反映Cello，而不是唱頭的音色。低音比較少，聲音有一種午後的溫暖，淡淡的，十分安祥。


[B]輸出直接進入Rhea MC + MM 再回Cello Suite 高電平檔[/B]
我以為Cello中性的本質，會被Rhea 裡面真空管特色帶走，結果完全不是，仍清楚保有Cello的聲底，但是在兩端的延伸上更好，空間感更高，我想是真空管的特色。低音的部分並沒有特別改變，但是中音的頭明度更好，這一個改變是我喜歡的風向，雖然犧牲了一點黏稠度，但更為清爽，音場最大的變化是高度，還有往前的擴散更好一些，這對室內樂愛好者是一個好的改變。但是老管的噪音較明顯。


[B]輸出進入Ortofon STE 80升壓器，進Rhea MM，在進入Cello Suite 高電平檔[/B]
在這種情況下，我只聽到Ortofon的聲底，溫暖，厚實，高低的延伸很好，但是低音較多，下潛的程度不及上兩組合，但是空間的包圍感似乎凝成實質，有如在看一個有聚光燈舞台上的話劇或現代劇，除了它展現的『空間』外，甚麼也沒有的感覺十分強烈。這個舞台，深度相當出色，左右的寬度超過喇叭兩側，不過喇叭外的聲音，殘響的比例和第一反射音不及單純進入Rhea的反應，指搭上一台Ortofon升壓器，就創造出美麗的音色，這是我之前沒有預料到的。


[B]結論：
再三組的比較ˋ下，我覺得第三組的分數最高，第二組次之，Rhea當中的真空管撒配我研究了很久，但是為甚麼總分不及經過ortofon升壓器呢？
第一、有真空管噪音，雖然聆聽時部會感覺到，但是心中就是一個坎，不舒服
第二、當時的Rhea是以Viola Spirit為準進行真空管的搭配，但是Cello Suite和Viola聲底仍有一點點差別，這一點導致不會最合拍Cello的高電平，說起來是勝之不武。[/B]

註：Cello Suite是我的備機，多年沒有使用，剛好也藉著這個機會透透氣，也回味一下以往機皇的神蹟。

自己一畝三分地的小系統
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第三組最好聽，與我的經驗相符。我想這也是現今黑膠高倍率放大技術進步，訊噪比早已控制得宜的時代，

Ortofon 升壓器還是佔據一塊小小的地盤原因。

以我個人淺薄的經驗，Ortofon 總有種醍醐味，容易辨識。

這種醍醐味除了會讓音頻呈金字塔分佈以外，在中高頻會加入一種溫潤的染色，很迷人。

不容易形容，如果真要比對，就是類似Spendor、Harbeth 那種溫潤的英國聲，尤其是老Spendor 喇叭BC1、SA1、SP1。

(這兩牌子的喇叭我各買過4對)

或是說，Ortofon SPU唱頭也是這感覺。

30多年前我第一次聽到，真是愉悅之極，之後就相當著迷。至今我家還有個T20昇壓器，只可惜有個聲道壞掉了，至今哥在抽屜捨不得丟。

在損失1500張左右的軟體後，重拾黑膠大約是2009年的事情了。不過並不投入，僅買了400張左右做個回憶。

器材也相對平價，除了主系統的Vpi Scout II +Ortofon Cadenza Red 以外，

期間就買兩個當年的經典銘盤做個紀念：Linn LP12、Technics SL1200 MK7。

或許是始終找不到記憶中的味道，讓我動力不足吧。

而這記憶中的味道，似乎就是Ortofon 唱頭+自家昇壓器的韻味。

(雖然我也買了2顆Cadenza Red、Rondo Bronze、MC20 super 25th，但總是少一味)

轉貼人

用過一些旗艦前級，到現在沒見過全面壓過cello siute的。把cello suite換個殼、賣個10萬美金也有發燒友說它是現在最好的前級...

cd輸入使用p201、p200聲音好很多。  很好奇為什麼使用b200。 (b200在當年是承奇標配，這台機器是機殼、模組單獨標價銷售的)

p101唱放是平衡輸入，也許現在的LP有平衡輸出，當年可是搞死一堆人...

頂級美國器材需要有好的空間，相對中性全面的前後端。 和808mk2 6010c FM266、lyra connoisseur歐式器材不同，美國機少點調味，有的是全面的硬能力...

viola的聲音和Matthew James  cello比，  後者則是cello的延續...前者算是另一種品牌聲音

eardoctor

[B]黑膠唱片兩三事 ( 27 ) – 好音樂永遠不退流行[/B]
接觸音響音樂久了的發燒友，會注意到一件事，數年前或是十數年前，曾流行的一些音樂，在多年之後會再次被注意到，並不是後代沒有好音樂，但是真的好的錄音，發燒友們不會忘記的，只能歸因於好音樂好錄音，真的不容易出現，另外也有一些是『時事』題，比方說最近的Van Cliburn大賽，出現許多話題，也引出不少大賽得主的故事，相關的音樂也大賣。有一些則是令人哀傷的消息，比方說鋼琴家Brendel最近去世。不過順著這些時事，也未嘗不是一種入世的體悟。

Brahms - Piano Concerto No.2 in B flat major Op.83 - Emil Gilels - Eugen Jochum - BSO - DG 2530 259

一生非常謹慎內斂的布拉姆斯，用最嚴格的要求對待自己，尤其成名之後，更是用高標準來檢視自己的作品，根據後來的手稿，Brahms對自己要求的標準，常常就是指Beethoven，所以雖然他很想創作更多的管絃樂作品，但是最終也只有四首交響曲，許多原來可以成為大型作品原稿，都被他一再的修改，去蕪存菁，最後作品逐漸縮小，第一號鋼琴協奏曲即是如此。Brahms中年後，自信逐漸增加，很明顯第二號鋼琴協奏曲是更為成熟的作品，演出後受到的歡迎，也驗證了這一點。兩首鋼琴協奏曲首演都是由Brahms本人擔任鋼琴演出。這是我最喜歡的鋼琴協奏之一，比第一號多了一個樂章，所以演奏時間也較長，一開始迷人的法國號，讓人印象深刻，第三樂章迷人的慢板和大提琴，最後再多變和略帶恢諧的鋼琴旋律中，一路奔馳到終點。這一首已經徹底擺脫鋼琴為管絃樂團伴奏的意念，真正成為主體，各種主題和旋律交織而來，是非常成功的作品。傳統上，烏克蘭的奧德薩聚集相當多的猶太人，Milstein和Gilels均來自這裡。Gilels在此接受堅實的基礎訓練，這個墊立，對他終身都非常有幫助，17歲時和他的妹妹Elisabeth 伊莉莎白（後來嫁給小提琴家Leonid Kogan柯岡），一同參加蘇聯表演者大賽獲獎，更得到史達林的讚賞，並展開全國巡迴。隨後在莫斯科音樂學院進修，這期間獲得比利時伊莉莎白鋼琴大賽首獎，從此聲名大噪，當時和小提琴家Kogan、大提琴家Rostropovich組成三重奏，也常和妹妹搭檔演出。某一次，拉赫曼尼諾夫在廣播中聽到他的演出後，深受感動，親自把當年Anton Rubinstein頒給他的證書和獎章，轉贈給吉利爾斯，並填上他的名字，象徵蘇聯鋼琴正統的傳承。二次大戰之後，1945年起和David Oustrakh 等人，是最早獲得同意，到西方演出的音樂家，這也讓西方世界認識了這一位鋼琴大師，在1958年擔任柴可夫斯基鋼琴大賽主席時，他極力爭取把冠軍頒給Van Cliburn范、克萊本，這一點讓當時許多人相當意外。Gilels晚年除了從事教育工作，演出活動仍相當的多，關於他的去世，有相當多的謎團，鋼琴家Richter的說法，認為在健檢的時候打錯藥，導致於Gilels突然死亡，不過這一點沒有經過證實。這一張Brahms第二號鋼琴協奏曲，發行多年早有定評，是這個曲目的最佳版本之一，近年來也有發燒重刻問世，受到的歡迎可見一般，高度推薦！
音效方面，小花時代的錄音，這是一個遠距離的收音，依然維持DG忠實的音色，舞台感十分出色，細節很多，所有樂器的質感和排列都相當清楚，這和近代的錄音有相當程度的不同，有興趣的可以比較一下。
音樂A +
這個熱門曲目有名的版本很多，在我心中，這就是最佳版本。
音響A
小花時代的標準音色，排列非常清楚，遠距離錄音，空間感和舞台都很好，細節很多，但延伸和動態還沒有達到最高等級。

Meditation, Bach-Gounod - Meditation, Handel - Larghetto, Lully - Gavotte, Gluck - Melodie, Mendelssohn - Lied Ohne Worte op.109, Chopin - Prelude - Mischa Maisky, Pavel Gililov - DG 477 7637 ( Clearaudio )

拉脫維亞出生的Maisky麥斯基從小就是一個天才，在經過聖彼得堡音樂學院教導後，16歲嬴得蘇職大提琴比賽首獎（Rostropovich 、Shafran都得過），隔年17歲得到柴可夫斯基大賽第六名，這樣的表現引起Rostropovich 的注意，收他為弟子，進入莫斯科音樂學院進修，後來卻意外被判勞改二年，之後決心離開蘇聯，輾轉回到以色列入籍，打開西方世界的演出之路，這時他才24歲。到了美國後，他在老師Rostropovich 推薦下，成為美國當時名大提琴家Piatigorsky的弟子，Maisky是唯一一位身兼二位大提琴大師傳承的大提琴家。他在英國的首秀是和鋼琴家Lupu魯普，而在1995年回到蘇聯，和Pletnev普雷特夫及蘇聯國家交響樂團完成回歸的演出。麥斯基喜歡到世界各國邊旅行邊演出，他也曾多次來過台灣，非常喜歡穿「三宅一生」的衣服。他演奏的風格非常容易辨認，他用大量而快速的顫音，造成一種長的樂句，有一種如夢似幻的味道，有些評論家不認可這樣子的改動，認為破壞了音樂的本質，但是也有相當多的聽眾喜歡，據小道消息，他是當時號稱世界第三貴的大提琴家，價碼僅次於老師Rostropovich 和馬友友。這一張唱片Mediation 大有來頭，原始的副標題是「大提琴的搖籃曲」，對像指的是他的小女兒Lily，據Maisky本身自述，他特別對巴哈、舒曼等人的作品情有獨鍾，在2000年時，曾一天內演奏100首Bach的大提琴曲目，向Bach致敬。本張把歷年來一些安可曲收集起來，表現極為溫柔的一面，當年標記送給他女兒的這張唱片發行時，因為太好聽，引起很大的轟動，幾乎人手一張，這麼好聽的一張唱片，推薦給大家。
音效方面，這張唱片1990年發行時只有CD，2008年才推出黑膠，並且由Clearaudio 特別支援技術。這張的錄音比較接近小花時代的風格，溫暖柔和，氣氛把握的很好，所有的音符不會切割得太乾淨，所以不會那麼銳利，配合上演出的內容，相得益彰。已經有接近天碟實力的錄音。
音樂A
大提琴演奏的搖籃曲，Maisky給他女兒最溫柔的一面，曲曲好聽，如夢似幻，高度推薦。
音響A
主打的就是一個好聽，氣氛營造得非常好，不論是高低音的延伸，或者是溫暖的程度，都有接近天碟等級的實力。

Beethoven - Piano Sonatas No.21 Waldstein, No.8 Pathetique - Claudio Arrau - Philips 835 212 AY ( HiFi Stereo Holland )

第21號鋼琴奏鳴曲Waldstein 華德斯坦是Beethoven最偉大和最需要全面技巧的奏鳴曲之一，它是奏鳴曲中期的重要三首作品之一（其他二首是最出名的第23號Apprasionata 熱情和第26號Les Adieux告別），這個時間點剛好也是貝多芬創作的黃金巔峰十年。Waldstein 華德斯坦的第二樂章原來並不長這個樣子，但是當年Beethoven 和朋友的談話中，有人抱怨原來的版本太長，難以演奏，很明顯的作曲家有聽進去，最後演出的版本變成現在這個樣子，原本的慢板，後來獨立成為另外的曲子。本曲提獻給贊助商Waldstein 伯爵，第三樂章開頭，也被稱為「黎明」，但是它卻有一個非常困難的結尾，對鋼琴家的技巧要求非常高。B面的第八號Pathétique 悲愴是貝多芬較早的作品，對於貝多芬創作內涵，有兩個不同的解讀，第一個是母親的去世，另一個是對青春愛情苦澀的追求，不過兩個說法都沒有被證實。這種早期的作品中，很明顯有莫札特和巴哈的影子，本首當年一推出就十分受歡迎，第二和第三樂章後來大量被引用及改編，在這邊就不做特別的說明。出生在智利的鋼琴大師Claudio Arrau阿勞，被視為二十世紀最偉大的鋼琴家之一，他是一位神童，家族中並沒有職業音樂家，在他還不識字之前，就能夠閱讀貝多芬奏鳴曲的譜，連智利總統都知道這位天才的可貴，傾國家之力送他去德國學習，他的老師Kause 是Liszt的學生。話說天才果然厲害，在11歲那一年，他就能輕鬆彈奏Liszt的超技練習曲，Brahms的帕格尼尼主題變奏曲也是小菜一碟。這一位擁有超級技巧的神童，名聲不脛而走。不幸幾年後老師Krause的去世對他造成非常大的打擊，從此再也沒有正式進入任何學校系統學習。不過是金子的，終究會發光，中間沉潛十多年，技巧逐漸完善，喜歡歷史和文學的Arrau深思熟慮沈澱之後，逐漸成熟，終於破繭而出，開始他大量而漫長的演奏生涯，而且常用「套組」方式來呈現，32歲那一年在柏林，12場連續的音樂會彈奏Bach作品，隔年隨即演出全套Mozart作品，接著陸續推出Schubert和Weber的系列音樂會，到此轟動樂壇，不過真正把他推上高峰，成就無可取代地位的是貝多芬全套鋼琴曲目的演出，不論在墨西哥、紐約或其他地方，他都不只一次演出全套的曲目，這實在是非常驚人！也成就了他貝多芬詮釋的歷史神壇級地位。說到Arrau阿勞擅長的曲目，除了貝多芬之外，我們還會想到Bach, Schubert, Debussy, Schumann, Chopin⋯⋯，好想這樣想一想，他幾乎是無所不能，甚至於對於一些較冷門的曲目，比方說Bussoni布梭尼，也多次演出和錄音。談到大師Arrau的風格，幾乎大部分的印象都是「節制」，他本人也曾說過，不應該太過浮誇而影響了原本作曲家的創作本意，但是在晚年現場演奏，他的速度明顯變得比較自由，逐漸變得緩慢，這樣彈性速度的運用，卻不會發生反感，這應該是歲月和知識的累積，所能夠帶給聆聽者的感受。Arrau是少數跨越單聲道、立體聲、數位時代都留下大量錄音的鋼琴大師，在數位時代來臨的第一張CD裡面，就有他的作品。如果去翻看他發行的唱片紀錄，就會發現他多次錄製各作曲家全輯（有些一生中錄了五次以上，比方Brahms 和Liszt），這一點在現代的鋼琴家是絕無僅有，無法想像。Arrau也是少數能在傳統Beethoven 和浪漫Chopin二個方向，都有很高評價的鋼琴大師。
音效方面，這張最早Philips Hi Fi Stereo版本，有著十分溫暖厚實的音色，動態不特別誇張，但是細徵的變化依然清晰，這是Philips的特殊能耐，剛從單聲道錄音轉換過來，空間感不能算是最好，但以Philips的傳承，後來重發的各代版本依然有不錯的效果，也比較容易取得，大家可以考慮。
音樂A
相當克制的樂句排列，對每個主題都有深刻的體會，貝多芬演奏大師之名，讓人佩服不已。
音響A-
最早期的立體聲錄音，仍然有單聲道邏輯的影子，細節和音色十分優秀，所差別的是擴散性和音場表現。

Schubert - Quartet No.14 Death and The maiden, Quartet No.12 Quartettsatz - Juilliard String Quartet - RCA LSC 2378

這張好聽的唱片，同時名列TAS榜單多年。上面有兩首舒伯特的四重奏，「Death and The Maiden死與少女」是晚期非常成熟的作品，這個時間點，Schubert 雖然健康持續惡化，但是迎來他最後的爆發，這是在他早期創作四重奏作品十幾年後，再次回到這個領域。他引用的是多年前自己的歌曲，在第二樂章有很多類似的安排，音樂的內容依然遵循他最崇拜的貝多芬，由一個主題從頭貫穿。Schubert 終其一生都沒有來得及看到作品的公開演出，不過作曲家本人曾經擔任中提琴手，在私人的場合當中演出過。不久後Schubert逝世，葬在他的偶像貝多芬旁邊（現在去維也納，旁邊還多了理查史特勞斯、布拉姆斯）。另外一首C小調四重奏，是舒伯特早期的作品，其實只有一個樂章，然後就被丟到旁邊，再也沒有回來寫。關於這一點，有很多的研究，一則說法是這一個樂章太突出，Schubert想不出第二樂章後面怎麼接。其實天才的想法源源不絕，我不覺得舒伯特本人在乎那麼一個小小四重奏樂章，有沒有繼續寫作完成。類似這種邊角料，在幾乎所有的作曲家都看得到，在這裡茱莉亞四重奏願意把它納入，也算是讓這一段重見天日。Juilliard String Quartet茱莉亞絃樂四重奏創立於1946年，後來就成為茱莉亞音樂學院的一個常設演出組織，經過半個世紀的耕耘，傑出的表現和獲得的獎項早已經受到肯定，當年以Bartok絃樂四重奏唱片（三張，Columbia發行）聲名大噪，接著本張唱片由RCA 1960發行，樂團的第一小提琴是樂團創始元老Robert Mann，其他有些已經是第二代的成員，仍然獲得非常好的成績，音樂和音效雙雙達到新的標準。最新消息， 2011年開始由台裔小提琴家林以信出任第一小提琴手。
音效方面，長年高掛TAS榜單，它是一個近距離的錄音，每一個樂器的形體都很紮實，呈現弧型排列，歷歷在目，聲音現場的壓迫力十足，擬真度超高，有如現場一般。系統的調整很容易讓一個樂團出現在自家的音響室中，包圍感非常得好。這張唱片唯一的缺點，是隨著大家反覆播放，現在不容易買到片優良的物件，當年的發行量並不多，需要一點運氣和耐心去找尋。
音樂A
從歌曲轉來的四重奏，具有一貫的流暢性，前後連結的樂段安排相當有趣，這是四重奏中的精品，茱莉亞絃樂四重奏樂團的功力，盡在其中。
音響A +
室內樂錄音的典範，如果是喜歡如臨現場的感覺，應該會讚嘆不已，相對的現場音壓，也考驗系統的調整，可以模擬出身歷其境的表現。

Brahms - Piano Quartets No.2, No.3 - Maria Nowak, Katarzyna Budnik, Yuya Okamoto, Krystian Zimerman - DG 486 4651

Brahms 在1861年完成第2號鋼琴四重奏，在這首曲子裡面，我們可以看到Schubert四重奏的影子，Brahms四重奏的作品不多，他曾經自己透露，每當看到Beethoven 的作品，給他相當大的壓力（也是動力），他也一直自詡可以跟隨著這位巨人的腳步，寫出一樣好的作品。事後的蛛絲馬跡顯示，Brahms其實寫了很多首四重奏作品，但因為他自己不滿意，結果全部遭到銷毀的命運。第2號鋼琴四重奏顯然是他比較滿意的作品，當年首演是由Brahms本人擔任鋼琴演出，甚至於他還試圖再改編成雙鋼琴版本。第2號鋼琴四重奏的演奏時間出奇的長，應該是他所有作品裡面，需要演奏最久的室內樂。相隔10多年，1875年才完成的第3號鋼琴四重奏，這時候的Brahms手法更為成熟老練，但是斤斤計較的個性一點都沒有改變，反而有變本加厲的趨勢，還好最後這首作品留存下來，Brahms從歌德的1774年描述三角戀情的詩作「The Sorrows of young Werther年輕Werther的悲傷」，得到靈感，所以這一首也常常被稱為「Werther四重奏」，至於這個年輕人為什麼悲傷，其中的內涵不言可喻，直接影射Clara 克拉拉，這部分的說法一開始並沒有流傳，但是天下沒有不透風的牆，多年後Brahms的遺物書籍夾頁中，許多書信的隻言片語，最後仍然被翻出來，證據顯示，當年作曲家一度建議要把歌德的Werther插圖，直接印在出版品上。這張唱片是2021年和2023年二次同一個地點錄音，在2025年才拼在一起發行。重點關注賣點當然是波蘭鋼琴家Zimerman 齊瑪曼，這位封面上鬚髮皆白的慈祥老爺爺，其實才68歲，他是1975年第九屆蕭邦鋼琴大賽的冠軍得主，頂著這個超級桂冠，開始他的職業演出，隔年和柏林愛樂演出後，受到鋼琴大師Rubinstein 魯賓斯坦的邀請，到美國演出，大獲成功。Zimerman功力非凡，根基紮實，他的涉獵很廣，對推廣Chopin的音樂不留餘地，一般認為在浪漫樂派上的成就更高，不論Mozart、Beethoven 、Brahms、Chopin都有優秀的作品，可以從他歷年來多產的優秀錄音發行，得到印證。他表演堅持使用自己的史坦威鋼琴，為了怕臨時損壞，通常都帶著兩架 （ 還真的在美國機場摔壞二次 ）。隨著聲望日隆，Zimerman 已經是這個世代最頂尖的鋼琴家之一。1996年起移居併入籍瑞士後，目前在瑞士巴塞爾音樂學院任教。 他2009年在洛杉磯，為了抗議美國當時在波蘭部署飛彈，公開宣佈終身不再到美國演出，至今仍信守承諾。一同演出的其他三位也都是厲害角色，小提琴家Maria Novak 是Zimerman 同鄉，她曾在韋奧尼夫斯基大賽中獲獎, 目前也幫忙波蘭節日管絃樂團（為了紀念Chopin 200週年的樂團）的管理，Katarzyna Budnik是相當活躍的中提琴家, 而Yuma Okamoto 是2017年比利時伊莉莎白大賽大提琴第二名。為什麼沒有選擇最出名的第一號鋼琴四重奏，而選擇較少出現的另外兩首？根據Zimerman的說法，四個人討論，覺得第一號太常見，就決定挑戰一下高難度（這麼隨性的嗎？）
音效方面，兩首雖然在不同的時間錄製，但是DG的工程師把它調整的像是一次完成。採用近距離錄音，適度的殘響和空間感，音響迷的系統可以輕易地創造出，就在面前的感覺，背景非常乾淨，由於封面有照片可以對照，對調整定位非常方便，新一代DG的頂級錄音
音樂A
要求非常高的Brahms鋼琴四重奏，在四位高手的聯手之下，優美異常，對氛圍的把握，絲絲入扣。
音響A+
DG的頂級錄音，樂器的質感，空間定位極佳，可以輕易地重現四重奏如在眼前，應該在鋼琴的第一聲出現，就會完全抓住聆聽者的耳朵。

R. Yang

Brendel最近去世，讓人感傷。

中規中矩，正統中蘊含音樂的精髓的表現方式，多連來一直是我最喜歡的。

無論莫札特、貝多芬、巴哈，舒伯特總要聽過他彈的，才覺得：這就對了。

就像魯賓斯坦的蕭邦一樣。

尤其是他的Schubert 8首即興曲(D899、D935)、鋼琴奏鳴曲D960、流浪者幻想曲(wanderer fantasie)，樂興之時(Six moments musicaux)，完全經典。

只有聽過李希特的即興曲堪與匹敵。

有一次和女友(現在的老婆)在復興南路逛，聽到舒伯特的即興曲從店家傳出來，聽到我站在街頭一陣子，乾脆走進去聽到結束。

還問店家：這是誰的版本。"李希特"。

當年的全真音響管機太好聽，還是李希特的詮釋棒到足以匹敵布蘭德爾，已經不再追究了。

yang9230

30多年前，某日下午在光華商場閒逛，突然聽到某唱片行播放舒伯特的即興曲，美到令人屏息，當場呆立聆聽10餘分鐘，曲罷衝入唱片行詢問，方知是Brendel演奏，立刻掏出身上僅有的400元購入CD，迄今仍在架上，聆聽美麗的琴音，懷念青春的時光。

原發表者是 R. Yang
[B]Brendel最近去世，讓人感傷。

中規中矩，正統中蘊含音樂的精髓的表現方式，多連來一直是我最喜歡的。

無論莫札特、貝多芬、巴哈，舒伯特總要聽過他彈的，才覺得：這就對了。

就像魯賓斯坦的蕭邦一樣。

尤其是他的Schubert 8首即興曲(D899、D935)、鋼琴奏鳴曲D960、流浪者幻想曲(wanderer fantasie)，樂興之時(Six moments musicaux)，完全經典。

只有聽過李希特的即興曲堪與匹敵。

有一次和女友(現在的老婆)在復興南路逛，聽到舒伯特的即興曲從店家傳出來，聽到我站在街頭一陣子，乾脆走進去聽到結束。

還問店家：這是誰的版本。"李希特"。

當年的全真音響管機太好聽，還是李希特的詮釋棒到足以匹敵布蘭德爾，已經不再追究了。 [/B]

R. Yang

原發表者是 yang9230
[B]30多年前，某日下午在光華商場閒逛，突然聽到某唱片行播放舒伯特的即興曲，美到令人屏息，當場呆立聆聽10餘分鐘，曲罷衝入唱片行詢問，方知是Brendel演奏，立刻掏出身上僅有的400元購入CD，迄今仍在架上，聆聽美麗的琴音，懷念青春的時光。




[/B]

我另一次是在中華商場。當時的店家，除了佳佳現在還在中華路上，還有另一家一時叫不出名字。在那時我也有再一次相同經驗。

店家放布拉姆斯的第四號交響曲。許多人應該和我一樣，心中第一把交椅是小克萊巴。(他也是我心中貝多芬交響曲5、7的第一把交椅)。

那次就是在中華商場二樓，聽到布拉姆斯的第四號，演奏到一半我就站在門口聽，到後來乾脆進去買。

版本是華爾特，我也特別看了一下店家的喇叭：橫置隨便擺的：

AR7！

eardoctor

[B]黑膠唱片兩三事 ( 28 ) – 又是颱風天[/B]
照慣例，颱風天，躲在家聽音樂最安全‧‧‧‧‧‧‧

[B]Yu-Chien Tseng - Reverie, Tartini - Devil』s Thrill, Mozart - Sonata K 454, Chopin - Nocturne No.2, Ernst - Etude No.6, The Last Rose of Summer. Tchaikovsky - Melodie op.42, Wieniawski - Variations on an Original Theme - Rohan De Silva - DG 886 034-1[/B]

目前台灣在國際樂壇的新星，早年在台灣一路過關斬將，再進入柯蒂斯音樂學院深造，師從Aaron Rosand 亞倫．羅桑( 就是發燒友認識的那一位 )，他的老師是Efrem Zimbalist，這一位是俄國小提琴傳奇大師Auer 奧爾的得意門生，Rosand教授啟發他小提琴的技巧，和對音樂內容的思考，曾宇謙另一位老師是Ida Kavafian，他是Oscar Shumsky的學生，再向上則是傳奇大師Galamian加拉米安，Kavafian教授指導他全面的音樂知識，包含室內樂、交響曲各方面都希望他能涉獵，成為一個完整的音樂家。上面是美國小提琴兩大主流派系，除了少數自學成才，幾乎所有音樂家都出自於這二個系統。擁有絕對音感的曾宇謙參加過很多比賽，2012年比利時伊麗莎白小提琴大賽第五名，2015年獲得柴可夫斯基大賽第二名（第一名從缺），可以說是從戰場中殺出來的地位，已經有一個很好的起步，接下來的歲月就是靠自己的磨練，我們看到很多的大師成長的軌跡也是如此。這一張唱片是他2016年錄製的，裡面都是演奏會的熱門曲目，普遍的認知覺得這是演奏家跨越不同維度的挑戰，從巴洛克到浪漫樂派。這種普遍在10分鐘上下的曲目，調整演奏會內容非常方便，通常是演奏家的最愛，很有機會在不同的場合聽到。唱片內使用的小提琴，和他參加柴可夫斯基大賽相同（他的演奏會不一定每次都是用這把琴），由奇美博物館提供，義大利大師Giuseppe Guarneri del Gesu在1733製作，從米蘭Castelbarco伯爵開始，這把琴由經銷商Tarisio先生賣到英國，所以被命名為「Castelbarco Tarisio」。很長一段時間由英國小提琴家George Haddock使用，來到奇美博物館後，曾經多次出借，小提琴家胡乃元也曾借用過。這把琴在製作的時候，移動了F孔的位置，創造出開闊的音色，共鳴特別得好，開放的琴音，讓現場的表演更為出色，2025年曾宇謙在台灣一系列的演出，現場的聽眾可以體會一下。這一張唱片在發行的時候，我一口氣買了30張，當作禮物送給歐美來訪的友人，感覺特別有面子。斯里蘭卡鋼琴家Rohan de Silva羅漢·西爾法長年和曾宇謙配合，舞台上看起來很老成的他，是1975年出生，目前也不過50歲。曾經在第九屆柴可夫斯基大賽獲得最佳伴奏獎，之後一直在英國工作，他也曾經是許多小提琴家的伴奏，包括Midori 、林昭亮、Perlman、Bell、Shaham ⋯⋯，同時他也是白宮表演的常客。在訪問中曾宇謙曾經表示，從不擔心技巧的問題，應該思考音樂的本質，他選了Tartini的作品，認為節奏是這首作品的核心，比較意外的是選Mozart，但他堅持這一首在音樂上的風格有其特殊性，強調「我從小是聽著Oistrakh和Heifetz長大」，罕見的Ernst恩斯特「夏天的最後玫瑰」，這可不常聽到，也算是別出心裁。Tchaikovsky 的美，讓他一下子就愛上這個作品。看起來，在選曲方面，曾宇謙已經很有自己的想法，對曲目的擴展，也有一定程度的安排。
音效方面，DG的製作非常用心，但是並沒有特別加油添醋，小提琴的音色捕捉的非常完美，和現場聽到的琴音幾乎沒有差別，不論是高中低的延伸，或者是聲音的厚度，都是上上之選，鋼琴的聲音或許為了突顯小提琴，略為做了調整，比較國家音樂廳現場聽到的，鋼琴聲音較為溫暖。這張唱片錄製的時候，曾宇謙意氣風發，還帶著那種銳氣，最近聽到的現場，這種味道已經淡了很多，轉而更為內斂。
音樂A
演奏會上的熱門曲目，演出的水準面對歷史的大師，絲毫不失禮，裡面有一些個人的巧思，相當有趣。
音響A
單純論音色和表演，直追頂級錄音，鋼琴稍微被壓抑，我認為應該完整呈現，小提琴的捕捉特別傳神，在這個部分可以列為示範級錄音。

[B]Sibelius - Finlandia, King Christian II, Pelleas and Melisande, Grieg - Wedding Day at Troldhaugen, Two Elegiac Melodies - Charles Mackerras - London Proms Symphony - RCA LSC 2336 [/B]

芬蘭的西貝流士Sibelius、挪威的葛利格Grieg、丹麥的尼爾森Nielsen被稱為北歐三傑，在浪漫樂派晚期，崇尚自然和對民族的認同，不約而同的在各地受到歡迎，類似的還有捷克的史麥塔那Smetana和德弗乍克Dvorak等。挪威作曲家Grieg很小就展現音樂的天賦，被送往德國學習，之後再到丹麥，師從Niels Gade ，這讓Grieg變成Nielsen的同學。他最重要的貢獻是把挪威的地方民族音樂，和古典音樂巧妙地融合在一起，本來只是一般的沙龍音樂（後代的輕音樂），搖身一變成為重要的古典曲目，他有一個怪癖，創作的曲子之後，不願意發表，所以我們知道的作品，遠遠小於他創作的數量。唱片收錄的「The Last Spring 」和「Wounded Heart」是Grieg在1881年的Two Elegiac Melodies悲傷旋律中的作品（一共12首），曾在英國由作曲家親自演出，「The last Spring」另外也有鋼琴版本，講述的是冬天之後，繁盛美麗的鄉野春天，心下感觸，也許這是自己最後一次看到春天的美景。「Wounded Heart」講述的是生活中難免有困難，受傷難免，要有勇於面對的勇氣。「Wedding day at Troldhaugen」，是祝福作曲家自己結婚25週年的曲子，本來的標題是「好運要來了」，由幾個小段落組成組成，這幾首都是Grieg非常受歡迎的小曲子。本張唱片收錄的另一位作曲家Sibelius，被推崇為芬蘭最偉大的作曲家，一開始對小提琴著迷，並以職業演奏家為目標，但最終還是回到作曲家的路上。他在赫爾辛基音樂學院進修期間，師事布梭尼Bussoni，24歲畢業後繼續到柏林深造，跟著富克斯Fuchs、高德馬克Goldmark學習，對Wagner、Beethoven 、Bruckner表達了高度興趣，這也深深影響了日後的風格。這時候開始根據芬蘭史詩文學「Kalevala 」（終其一生，這部文學作品都影響著他的創作），寫作自己第一部交響詩Kullervo，這也是第一次出現用芬蘭語演唱的作品，後代認為這是真正近代芬蘭本土音樂的開始。1892年Sibelius和指揮家好友的妹妹結婚，蜜月旅行中，觸發了後續「傳說En Saga」「列敏凱寧組曲Lemminkninen Suite」「卡雷利亞組曲Kareliasarja Suite」的靈感，隔年演出並逐步修改，漸受好評，較晚完成的「春之歌Spring Song」被譽為Sibelius最好的作品之一。1898年創作出「King Christian II」，作曲家本人認為這首曲子，最能完整表達自己的想法。在這個時間點，俄羅斯在政治上，開始對芬蘭大公國出手，結果激起芬蘭國內民族主義的凝聚，Sibelius開始寫作第一號交響曲，在演出當時，同時加演一首愛國歌曲「雅典人之歌」，這次演出確立了Sibelius 在芬蘭不可動搖的地位，同一年演出的另一首「新聞慶典音樂」，是為了支持被俄羅斯打壓的芬蘭報社，最後有一段「芬蘭覺醒」，非常受到歡迎，最後乾脆拿出來單獨演奏，偉大的「芬蘭頌Finlandia」就此誕生。隔年在義大利的旅遊當中，他聽了莫札特的Don Giovani ，深受啟發，創造出他最廣為人知的第2號交響曲，這首交響曲的銘盤很多。緊接著替戲劇「死亡」做了六首配樂，其中第一首「悲傷圓舞曲 Valse Tride」大受歡迎，常常單獨演出。這時終於一圓自己的小提琴夢，創造出唯一的一首小提琴協奏曲，不過這時候他已經有感覺，可能無法以專業小提琴家身份繼續下去了。在他40歲的時候，再次造訪柏林，主要是為了第2號交響曲演出，注意到當時相當流行比利時劇作家Maesterlinck的「Pelleas and Melisande」舞台劇，他特地為此寫下管絃樂版，至此，在Sibelius喉癌手術之前，許多膾炙人口的曲子都已經完成，這時間Mahler曾訪問芬蘭，兩位作曲家一番論道之後，得出一個非常中二的結論：「如果你後面寫了一首好的作品，你就會失去前面喜歡你的聽眾」，偉大作曲家的腦路，果然和我們不一樣。這一張RCA從頭到尾都好聽的唱片，記錄著兩位北歐作曲家的作品，有如生活的縮影，一路走來，足跡各個不同。澳洲指揮家Charles Mackerras馬克拉斯亦是一位奇人，他的成長過程可以說是一路奮鬥出來的，從小除了展現他對雙簧管、鋼琴、小提琴的天賦，他對指揮之路的念念不忘，可以看他一路從各個樂團的學習，知道他走得很辛苦，最後終於成功了。他也是雪梨交響樂團的第一位澳洲本土指揮。透過各個樂團的經歷，他和許多現代的指揮家交好，作風明快，嚴格要求排練的事前準備工作，包括分譜的確認。指揮家Mackerras 晚年提倡恢復原始樂團編製演奏，他認為這樣才能夠表現出作曲家原始的用意。
音效方面，音樂極為好聽不說，這是RCA黃金時期的錄音，厚實的絃樂，中低音的權威，舞台的排列，定位和延申都清清楚楚，名列TAS榜單多年，因為不是主流的音樂家，當年發行量不多，雖然後來發現它的珍貴，但片多半不佳，想收首版的要耐心找尋，所幸Classic Records有極為成功的再版，目前也是水漲船高。
音樂A
北歐兩位大師的優秀作品，表現絲滑無比，非常好聽。
音響A +
RCA巔峰時期的錄音，所有音響迷想要的指標都有了，名列發燒榜單多年，首版若不可得，CR再版一樣優秀

[B]Messiaen - Quatuor pour la Fin du Temps - Luben Yordanoff, Albert Tetard, Claude Desurmont, Daniel Barenboim - DG 2531 093[/B]

出生於二十世紀的法國作曲家Messiaen 梅湘，如果仔細看他一生，堪稱神奇。他11歲進入巴黎音樂學院，從此開始接觸當時法國的音樂大師，包括Dukas、Widor、Dupre，和影響他最多的Maurice Emmanuel，更厲害的是他在各領域一學就精，和聲、鋼琴伴奏、管風琴、音樂史、作曲都在學生時代就已經獲獎。他在管風琴上的成就很高，當時紀錄顯示，Messiaen只靜靜的看了如何操作管風琴一個小時，一星期後就可以直接彈奏出Bach 的C小調幻想曲。畢業後他接任聖三一教堂的管風琴手，在這個位置上做了60年。其中他的老師Emmanuel 主要研究節奏和音階，這段時間的學習，讓梅湘開始對音樂的結構產生興趣，造就日後他在音樂分析的成就。在二次世界大戰期間，Messiaen不幸被俘，送往戰俘營，在那裡認識了單簧管家、小提琴家及一位大提琴家，他開始為他們寫三重奏，靈感的來源是約翰啟示錄第十章第一節，後來以三重奏為基礎，再加以擴大，加上鋼琴，最終融入，產出這個時間最重要的作品「時間終結四重奏」，1941年加上他自己，頂著冰冷的冬天加上破舊的樂器，四重奏終於在戰俘營浴室演出。這時候他已經開始使用跟當時完全不一樣的和弦和節奏，特別是標題中「時間終結」，暗示著「審判日」的到來。不過Messiaen本人說明：「我並不想討論審判日，時間終結的到來，能驅使我對時間停止的渴望」，一般的解讀認為可以讓他跳脫目前的音節和節奏，創造全新的表達方式。觀察Messiaen一生和宗教音樂的連結，都是往讚美、愉快、溫暖的方向，這一點和當時普遍以贖罪的角度表達，頗為不同。第一段單簧管模仿黑鳥的聲音，小提琴是夜鶯，第二和第七段的弦律優美，有如教堂彩繪玻璃，鋼琴的和弦在這裏展現亮麗風彩，作曲家還特別標注顏色引導，「麥牙色」「藍色」「金黃色」，希望產生視覺的共鳴效果。最重要的第六段，在Messiaen有意引導下，利用節奏，創造出一隻不安的鳥。整體而言，這是Messiaen中期最重要的作品。這張1975年發行的錄音，剛開始並沒有受到重視，但是隨著Messiaen越來越受歡迎，這張演繹和錄音均為上乘的唱片，熱度逐漸提高，可以說是DG在近代音樂門面唱片，由於需求者眾，今年也有母帶重新發行的重刻片。
音效方面，近距離的錄音，細節非常多，但是最厲害的是樂器的質感，非常接近真實，整體的空間感非常出色，向前包圍聆聽者的特質，發燒友有很高的機會，在自己家裏重現四重奏現場，DG在小花時代的示範級錄音。
音樂A
梅湘中期作品，已經有明顯特徵，加上創作地點在戰俘營，本身故事性十足，四位演出者也都是一時之選。
音響A +
示範級錄音，樂器的質感和擬真度極高，加上非常特別向前包圍的音場，是DG小花時代的精品

[B]Falla - The Three Cornered Hat, Al Amor Brujo - Charles Dutoit - Orchestre Symphonique de Montreal - DECCA SXDL 7560 [/B]

這一張DECCA數位時代發行，Falla法雅的「三角帽」，當年CD時代就是超級發燒片，本身音樂好聽，音效超卓，可以說叫好又叫座。西班牙作曲家Falla法雅很早就表現出對鋼琴的天賦，1900年加入馬德里的皇家音樂學院學習，不久獲得學校鋼琴比賽的首獎。他對西班牙的傳統音樂特別有興趣，特別是Flamenco，有許多作品都改編自傳統故事，1907年他前往巴黎，認識了Debussy、Ravel、Dukas等人，音樂的風格因此受到了印象派的影響，同時和Stravinsky交好，他的作品中也有看到新古典樂派的影子。1914年回到祖國，雖然作品不多，但這時候Falla的音樂風格已趨成熟，在1915年接受當時首屈一指Flamenco 舞者委託，完成「愛情魔法」芭蕾舞劇，並由其首演，後來把它改變為管絃樂版。接下來Falla運用當地的傳統舞曲cante jundo型式 ，融合在一起。兩年後，源自1874發行的一本小說「三角帽」故事，最早只是一齣默劇的配樂，後來發展成為完整的芭蕾舞劇，並在1919年在倫敦，由指揮家Ernest Ansermet安塞美首演，這首Falla最為人知的作品出版，大獲成功。之後他搬到格納那達住了很長一段時間，這時候西班牙佛朗哥政府上台，邀請他回國，但是他不願意，並搬到阿根廷直到去世。為了紀念Falla，西班牙的披索紙鈔上也印有他的頭像。Falla這兩首「三角帽」「愛情魔法」，除了大量運用西班牙當地的元素，部分也受到當時印象派和新古典主義的影響，這一點從他和Stravinsky的互相探討可以知道。瑞士指揮家Dutoit在1977年接手蒙特羅交響樂團，幾年整頓下來，讓樂團成為當世最佳樂團之一，他擅長於創造音樂的色彩對比，細節的刻劃，此起彼落，聆聽者會覺得特別豐富，本張唱片是1981年Dutoit和蒙特羅交響樂團的精品。
音效方面，Falla作曲大量融入木管和打擊樂器，非常有民族音樂的特色，指揮家Dutoit處理這一類的音樂特別有心得，加上超級的錄音，不論定位音場，或者是樂器的質感，都是數位時代錄音的佼佼者，當年發行的時候，由於音效太好，許多數位時代的發燒友，都藉由這一張進入Falla的音樂世界。
音樂A
指揮家Dutoit和子弟兵，創造出一個五彩繽紛，帶有民族風味的舞台，雖然沒有現場看到芭蕾舞劇，但是音樂內容之豐富，讓我們享受是一場盛宴。
音響A +
無論是定位音場，或者是樂器質感，都是數位時代錄音的巔峰，當年發行的時候，連CD都很難買，可以說是Falla音樂錄音的最佳首選之一，高度推薦。

[B]Beethoven - Piano Sonata No.18, No.27, No.28, No.31, The Lost Tapes - Sviatoslav Richter - DG 0289 486 7214 1[/B]

這些是鋼琴家Richter李希特過去沒有發行的錄音，來自隨性舉行的小型音樂會，另外就是法國圖爾的Luscene盧森恩音樂節的錄音，為什麼1965年當時花了大量人力物力錄製，卻沒有發行？主要的原因是音質，Richter本人和主要錄音監製人都不滿意，據說原始錄音高音部分偏薄，而且有嚴重的金屬味，直到這幾年花了大量時間處理，所以有了這張「The Lost Tapes」唱片。眾所皆知Richter是位多產鋼琴家，除了大量錄音和演奏會之外，也喜歡隨性的小音樂會，而教堂、學校、穀倉都有他的身影，更神奇的是DG還跟著去做了錄音（他有專用的錄音車隨行）。說到Richter，印象就是「強人」，他幾乎沒有曲目上的弱點盲點，涵蓋各時代，各國作品家，涉獵之廣，堪稱偉大。但是Richter品質還總能保持在前列，現場和唱片的產量也多，巨星地位無可動搖。他出生在烏克蘭音樂名城奧德薩，並靠天賦很快展露頭角，據說他的視奏能力是天生的超凡等級，同時有一雙大手，能夠同時橫跨12個音程。在22歲進入莫斯科音樂學院，師事涅高滋Neygauz 教授（和他同為德裔俄籍），同門還有Emil Gilels吉利爾斯，經過嚴格訓練，打下了堅實的基礎。老師對他的評語：「這是我等待一輩子的天才學生，幾乎沒有什麼可以教他」。在25歲那一年，還是學生的他，首演了Prokofiev 的第6號奏鳴曲，從此和作曲家成為好友，有這麼一說Richter是同性戀者（當時在蘇聯是有罪的），婚姻只是掩飾（資料顯示，Richter去逝後幾個月，太太才拿到結婚證書），不過這個部分沒有證實。有趣的是學生時代的他因為不想上政治教育課，居然被開除了兩次（兩次都有人幫他求情）他終身都沒有加入共產黨，但後來一樣有拿到「史達林獎」。1958年在莫斯科第一屆柴可夫斯基鋼琴大賽，Richter聽完Van Cliburn的演奏後淚流滿面，直接給他滿分25分。Richter在共產國家內名聲響亮，但是他到1960年才獲准到美國表演，在卡內基聽系列的演出，造成轟動。他的作風隨性，基本上不喜歡行程式的演出，在美國也常常跑去小酒館，即興演出，在他晚年曾經帶著他的Yamaha鋼琴，在西伯利亞演出150場，有些小鎮居民甚至於從來沒有聽過古典音樂。曾經看了粉絲寫給他的信之後，直接打給那一位粉絲居住城市的歌劇院，幾個月後就在那邊演出了。他不喜歡坐飛機，去日本演出八次，都是搭火車穿過西伯利亞（日本人非常喜歡他，可以從唱片藝術榜單上面看得出來）。Richter的演奏生涯非常久，直到1995年還在德國登台演出，後來因為聽力退化，讓他非常沮喪，1997年心肌梗塞去世。他的音樂精準，華麗，又帶著俄國式的規模，幾乎什麼樣的樂曲，都一摸就通，一通就精，有人批評他的演出太過完美，不像是深思熟慮後的作品，像這樣的說法太苛刻，事實上他在各項音樂榜單上面，都留下相當出色的成績，鋼琴家Van Cliburn對他的評價：「他是我見過最有能量的演出者」，鋼琴家Gould顧爾德認為他是「當代最強的音樂交流者」，鋼琴家Gilels演奏結束，評論家稱讚他是最好的鋼琴家，他只淡淡的說了一句：「等你聽過Richter的演出後再說」。Richter歷史定位，早已脫離一般音樂家的範疇，他演奏的時候喜歡降低現場的光線，據他的說法，希望觀眾專注在鋼琴的表現，而不是注意演奏者張牙舞爪，面目猙獰，這種態度和目前的表演者，重視肢體的表演，有很大的不同。
音效方面，1965年重製的錄音，規模比較小，但是鋼琴的聲音非常清楚，能量感也很好，但或許是一開始的錄音品質有限，後面確實巧婦難為無米之炊，音色無法達到最高水準。
音樂A
德裔俄籍Richter的貝多芬，展現出了他的精準和嚴密的組織，你想得到的，他都做到了
音響A-
雖然有現代科技的幫助，再製了1965年的錄音，重現了這個珍貴的資產，但沒有辦法達到發燒友嚴格的要求，無損於在音樂上的珍貴價值，傳遞的流暢能量，是優質的享受。

eardoctor

[B]努力用心的玩家 -- 台中楊兄 ( I )[/B]
楊兄是一位電子工程師，也就是俗稱的高科技專業戶，近年來除了靠股票賺錢的高科技老闆，有許多專業工程師也底蘊深厚，楊兄的興趣廣泛，但是每一樣都企圖鑽研到極致，我想這也是成功人士的特質之一。望著滿地被拆開的911引擎和座椅，他認為只實現了人生的一小部分心願，倉庫裡還有很多不同的車胎和鋼圈向他招手。在某一次夜觀天象時，忽然興起了重燃Hi-Fi夢想的念頭，原來在學生時代也曾是發燒友一名，但是隨著進入社會，也和大多數人一樣，大多數時間投入工作之中，我記得第一次他問我的問題是：『怎麼樣才能湊齊一套Cello系統？』直接了當，奔著主題而去，絲毫不浪費時間。然而，Cello系統已經停產多年，雖然因為用家眾多，仍有大量精品流通，不過要找齊，而且狀況有保證的，還真的不是一件簡單的事。楊兄動作極快，光速直接上網從美國買下一對 Stradivari Grand Master喇叭，光是訂製外面木箱，又多花了十多萬，我問他為什麼不等一下，國內說不定有人會拋出，他只淡淡地說一句：『等不及了！』

辛苦從無到有建立夢中系統，也是一件有趣的事，剛剛落地到位的Stradivari Grand Master 喇叭系統


從無到有的系統，連墊材木頭都自己鋸


從四周的空間環境開始處理，每一寸都親力親為


[B]萬丈高樓平地起，從音響室，到選喇叭、標器材，都親力親為[/B]
首先是音響室的選定，還好家裡面人口簡單，主要是房子夠大，獨棟不共壁的建築，也讓未來聆聽的條件打下基礎。不論是甘蔗板、石膏板的選用，楊兄認真地查閱了很多資料，雖然我們說可控的部分不多，但是盡力而為。過了不久，喇叭從美國運到，請上大型吊車，直接吊到樓上，鋼琴烤漆美得像是昨天才出廠，應該是前一手保養的也很好。接著努力搜尋的結果有了回報，日本有一套Suite + Palate出售，滿心歡喜地下標，不久也收到機器，在我的建議下，先請內行的師傅看過，畢竟我們都不是拿焊槍，隔行如隔山。 ( 這部分後來我發現我錯了，楊兄是會動手拿銲槍做訊號線的用家！)這時美國有一位賣家出售兩套Performance II，序號還很接近。毫不猶豫就買下，不久就出現在音響室內。這個過程中，楊兄曾到我那邊指導，突然發現同樣是Cello Suite前級，怎麼外表和他的大不相同？這時才發現兩台Suite用家選用的配備不同，怎麼辦？就再買一台！在這樣的情況下，只能成全楊兄一往直前的熱情，我庫存多年的Suite就硬生生被搬走了。這時候沒有訊源，楊兄打算走LP + 串流的路，看了我老舊的設備清單後，火速買入Basis Debut V Signacture，搭配Graham 1.5t，並立刻向原廠訂了Silicon油，更新唱臂的潤滑和緩衝。至此，系統已經隱隱成形了，這種速度和效率，真不饋911 Turbo直男之名！

經過三個多月的努力，至少器材一一到位，厚木頭墊也上場了


擴散板也掛上去了，這裡要注意要貼緊，不能晃動


換上全新的Ortofon Anna 唱頭，直接使用Suite的MC檔位


拜訪當日，Palate因為少了訊號線，還沒有接上去，只有靜態展示


第一階段的努力，有聲音就好，接下來才是漫長的調整過程


第一次開聲，有模有樣，架勢已經出來了！
第一次的享受，主人雖然努力多日略顯疲憊，但看到系統發出心中的美聲，仍然無比的滿足，我們聽了不少軟體，也一一分享目前初設立系統的心得，相信有著金耳朵的主人，應該會慢慢調整到位，經過兩人討論後，會往幾個方向先努力：
一、把Palate接上去，這樣才是最完整的音色。
二、喇叭太大，靠主人一人移動喇叭不切實際，應該就唱頭的部分調整
三、加上palate針對某一些音頻做出增減，也可以收到調音的效果。
四、房間的賽車電動玩具套組，建議另外找地方。

感謝主人的招待，所有的美聲都不是一天出現，但以楊兄認真鑽研的個性，相信下一次會讓我更驚奇！